Inventé à partir de la boutade ironique d'un critique d'art sans qualité, le mot « impressionnisme » désigne moins un mouvement cohérent que la rencontre d'un groupe de peintres, soudé par le même rejet de l'académisme, et qui choisirent d'exposer ensemble leurs œuvres, entre 1874 et 1886. Qu'y a-t-il de commun, en effet, entre les paysages ruraux aux tons sourds de Pissarro et les coulisses de l'Opéra, traversées de lumière électrique et de tulle multicolore, peintes par Degas ? Né sous le signe de Manet, l'impressionnisme s'oppose profondément à la conception classique de l'art et annonce l'avènement d'un nouvel ordre esthétique. Travail en plein air et sur le motif, scènes de la vie moderne et quotidienne, couleurs claires et juxtaposées, style inachevé « non fini », touches visibles et légères, vibration de la lumière, effets de cadrage : en moins de vingt ans, en fixant tout un monde de sensations et de visions éphémères, ces artistes ont réalisé l'une des révolutions les plus importantes de l'histoire de la peinture. Outre le récit « historique », cette histoire de l'impressionnisme expose pleinement les caractéristiques de cette « nouvelle peinture » et la singularité qui, en dépit d'un projet commun, distingue les artistes du groupe des Batignolles. Elle révèle par ailleurs comment l'impressionnisme influencera les artistes à l'étranger (Angleterre, États-Unis, Espagne, Scandinavie…), résonnera dans les autres arts (musique, littérature, photographie, cinéma) et conduira vite aux néo- et post-impressionnismes puis aux grandes mutations du XXe siècle, telle l'abstraction. « Il faut reconnaître que l'impressionnisme a apporté par sa méthode une vision neuve, utile. C'est tout d'un coup une fenêtre ouverte par où le soleil et l'air entrent à flots chez vous, la nature vous apparaît claire, enchantée, intéressante... » – Marie Bracquemond, vers 1910 –

Une sélection d'affiches qui ont marqué le graphisme publicitaire de 1885 à 1980. Tous les domaines sont représentés, du divertissement au transport en passant par l'alimentation ou la vie quotidienne.

Les Notes de chevet sont l'un des plus beaux livres de la littérature japonaise. Composées dans les premières années du XIe siècle, au moment de la plus haute splendeur de la civilisation de Heian, par Sei Shonagon, une dame d'honneur attachée à la princesse Sadako, ces notes intimes proposent, sous forme de tableaux, de portraits, de récits, une illustration du Japon sous les Fujiwara. Les impressions sur le vif de l'auteur, abordent tour à tour les choses qu'elle aime ou déteste voir, écouter, manger et boire, ainsi que des historiettes au sein de la cour impériale, des poésies et quelques avis sur ses contemporains. Cette édition exceptionnelle est illustrée par les oeuvres d'Hokusai, le maître japonais de l'ukyo-e, dont le trait raffiné entre en parfaite résonance avec la sensibilité et la grâce de l'écrivain. Elle invite le lecteur à découvrir la manière japonaise de sentir le monde, la nature – partie indissociable de la vie affective et intime au Japon -, de se former à l'écoute des mille détails du quotidien et d'en goûter les beautés simples qu'il offre. Une introduction et des notes permettent de comprendre et savourer pleinement cette prose poétique, y compris tous les jeux subtils sur les mots.

Une initiation à l'art préhistorique à travers la présentation de vingt oeuvres majeures avec, pour chacune d'elles, un texte informatif court scindé en petits encarts thématiques ainsi qu'une découverte visuelle progressive grâce à des pages caches. Avec des doubles pages thématiques offrant des remises en contexte temporel, géographique et thématique. ©Electre 2018

Une approche chronologique pour découvrir la représentation du rêve en peinture depuis le Moyen Age. L'auteur montre le caractère polymorphe de la notion de rêve, associant le songe biblique, le rêve personnel, les recompositions oniriques et le fantastique léger ou cauchemardesque. Les commentaires des tableaux croisent les techniques et esthétiques picturales avec l'histoire des idées. ©Electre 2017

Une étude richement illustrée sur les dessins de Léonard de VInci, qu'ils soient de simples esquisses ou des oeuvres parfaitement achevées. ©Electre 2017

Retrace le rôle multiple joué par l'illustration d'histoire naturelle depuis le XVIe siècle. Les oeuvres marquantes de grandes figures du domaine côtoient les planches de manuscrits, journaux ou livres rares. ©Electre 2017

Le mouvement contestataire de mai 68 est étudié à travers l'analyse du style graphique (slogans, images, graphies) qui se forge dans ce contexte de confrontation internationale des idées et des idéologies. Etayée par un important corpus iconographique, l'étude est ponctuée de développements sur des personnalités iconiques et des moments clés de mai 1968. ©Electre 2018

"Les périodes de paix sont les pages blanches de l'histoire" : la formule du philosophe allemand Hegel est certes très contestable. Elle n'en renferme pas moins une vérité : depuis la plus haute Antiquité, l'activité guerrière de l'humanité a fourni la matière d'innombrables récits, depuis la Bible et Homère jusqu'aux témoignages contemporains. Sans doute n'a-t-on pas toujours parlé de la même chose. Les pratiques et les représentations de la guerre ont tellement changé au cours des siècles. Et cependant les écrivains ont bien prétendu parler de "la" guerre, comme si, par-delà l'infinie variété de circonstances, demeurait une essence du conflit, cette essence qui s'est incarnée dans un petit nombre de divinités dédiées, tels Arès ou Mars. Bien sûr, cette histoire est aussi celle de la littérature. Épopées, récits, romans, récits, essais, traités, histoires, poèmes, pièces de théâtre, témoignages, reportages ont mis la guerre en scène, la décrivant, la codifiant, l'analysant, l'interprétant, la dépassant souvent, la conduisant ailleurs que sur les champs de bataille. L'encre des écrivains a tenté de restituer quelque chose du sang et des larmes que la guerre a fait couler, que ces auteurs aient fait l'expérience de la guerre ou qu'ils l'aient seulement imaginée. Les lire aujourd'hui, c'est retracer l'histoire, sur le temps long, d'une des sensibilités les plus intenses qui ait jamais agité les sociétés humaines.

Une présentation architecturale de plus de soixante mosquées à travers le monde. ©Electre 2018

Les historiens de l'art ont l'habitude d'utiliser l'expression de "siècle d'or hollandais" (gouden eeuw) pour qualifier la civilisation néerlandaise du XViie siècle et, plus spécifiquement encore, l'art de cette période. Ce livre entend repenser cette notion en proposant d'analyser la manière dont elle a été définie, pensée et décrite au XVIIe siècle, par les Hollandais eux-mêmes, comme par leurs contemporains. Cet "âge d'or" est un moment historique marqué par de profonds bouleversements : alors que les guerres et les rivalités politiques traversent le siècle, la dissipation des tensions religieuses en fait une terre d'accueil et de tolérance ; les Provinces-Unies assoient fermement leur hégémonie économique et commerciale, fondée notamment sur les échanges coloniaux. Savants, poètes, philosophes et artistes forgent, chacun à leur manière, les représentations naturalistes ou idéalisées de ces transformations. Appréhender la société néerlandaise du XVIIe siècle à travers la grande variété de leurs créations rend compte de l'identité plurielle d'une nation en devenir. Tout en suivant le fil chronologique de l'histoire, des débuts de la guerre de Quatre-Vingts Ans jusqu'aux premières années du XVIIIe siècle, les principales théories et pratiques artistiques du siècle d'or sont ici exposées, sans tenter de reconstruire a posteriori une unité factice.

A travers la collection de Thomas Murray acquise par le Minneapolis Institut of Art en 2019, une présentation des trois grandes catégories de textiles japonais pour découvrir les techniques de tissage entre le XVIIe et le XXe siècle. L'ouvrage donne à voir les oeuvres réalisées par le peuple Aïnou, les créations désignées sous le terme de mingei et enfin, les bingata conçus à Okinawa. ©Electre 2019

Une étude des formes ornementales à travers les lieux et les époques : Antiquité égyptienne, Grèce archaïque, monde islamique au Moyen Age, Renaissance, romantisme, XXe siècle, etc. Electre 2014

Une confrontation et un rapprochement de ces deux maîtres de l'art moderne. Cinquante toiles de Botero font écho à une vingtaine d'oeuvres majeures de Picasso afin d'explorer leurs affinités artistiques et leurs mêmes interrogations majeures sur la peinture et sur l'art se déclinant à travers des thématiques communes. ©Electre 2017

Regard croisé entre le septième art et la mode, le livre retrace les rapports féconds entre ces deux champs de création. De Coeurs brûlés, avec Marlène Dietrich (1930) à Carol, avec Cate Blanchet (2016), 135 films illustrés et étayés de costumes ou de croquis de créateurs.(Électre)

Le livreLes animaux occupaient une place centrale dans la société médiévale. Ce livre propose de visualiser cette présence animale au Moyen Âge à travers les représentations que l'on en trouve dans l'enluminure. La richesse matérielle, ornementale et iconographique de ce mode d'expression artistique en fait le témoin privilégié de son époque dont il est également emblématique entre tous les arts. Ce livre est richement illustré de plus de six cents reproductions d'enluminures peintes durant tout le Moyen Âge dans sa plus large acception (du IVe au début du XVIe siècle). Nombre d'entre elles qui sont encore inédites ou très peu connues en dehors du cercle des spécialistes, se verront ainsi mises en lumière et portées à la connaissance d'un plus grand nombre d'amateurs. Ces derniers trouveront dans cet ouvrage de nouvelles clefs de lecture du bestiaire de l'art médiéval, comme de la vision du monde qu'il exprime.

Une approche transversale, à travers la reproduction de nombreuses oeuvres, de l'art en Europe et en Amérique du Nord entre 1789 et 1914. ©Electre 2016

A travers les oeuvres de plus de 230 artistes, cette étude s'intéresse à la représentation de l'enfance dans la peinture depuis le Moyen Age. Des tableaux d'église aux tableaux de salon, des enfants divins aux petits gueux, les auteurs questionnent les fonctions de la peinture, son évolution du sacré au profane et son implication dans les pratiques éducatives.

Au tournant du XIXe siècle, Vienne, capitale du vaste empire austro-hongrois, devient l'épicentre d'une pensée avant-gardiste qui s'exprime contre le conservatisme ambiant, symbolisé par les façades néo-classiques de la Ringstrasse. Musique, littérature, philosophie, arts plastiques ouvrent de nouvelles voies à la perception. Les cafés de la vieille ville s'animent de l'effervescence de cette émulation créatrice. C'est l'époque de Sigmund Freud et de Ludwig Wittgenstein, de Gustav Mahler et d'Arnold Schönberg, de la Sécession (1897-1905) - courant conduit par les artistes Gustav Klimt, Joseph Hoffmann et Koloman Moser qui ambitionnent de rassembler les arts en une Gesamtkunstwerk, une oeuvre d'art totale. Dans cet esprit, la Wiener Werksätte, atelier fondé en 1903, réunit architectes, décorateurs, stylistes et artisans pour diffuser auprès du plus grand nombre cette nouvelle esthétique de la modernité. Avec ses quelque mille illustrations et plus de soixante artistes abordés, cette synthèse exceptionnelle menée par trois spécialistes de renom expose l'extrême fécondité de cette période dans tous les champs de la création ; peinture, dessin, arts décoratifs mais aussi architecture, photographie et arts appliqués tels que le graphisme, la verrerie, la joaillerie, la mode ... Un éclairage particulier est donné au rôle de la femme dans toutes ces disciplines.

L'auteur décrypte l'archétype et la prodigieuse floraison des images représentant la Vierge à l'Enfant à travers les siècles, afin de retracer une histoire de l'art et de la pensée chrétienne. ©Electre 2019