Une étude sur le premier album studio de Patti Smith, sorti en 1975. ©Electre 2019

Ayant fait leurs classes dans le milieu punk, les Pogues ont fait revivre le folklore irlandais. L'auteur décrypte l'histoire de ce groupe en vogue au milieu des années 1980, évoquant à la fois leur énergie généreuse sur scène et leurs frasques à la ville. ©Electre 2023

Bruce Springsteen sort Nebraska en 1982. Devant originellement être une simple maquette, cet enregistrement réalisé sur un coin de table est dépouillé, le chanteur s'accompagnant seulement d'une guitare et d'un harmonica. L'auteur décrypte ce disque qu'il estime être le plus important dans son oeuvre. ©Electre 2023

Are You Experienced paraît au Royaume-Uni à peine trois semaines avant le Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles, qu'il talonne bientôt dans les charts britanniques. À l'époque, Hendrix a déjà engrangé trois tubes, « Hey Joe », « Purple Haze » et « The Wind Cries Mary » ayant atteint les dix meilleures places du classement des 45 tours, et ce moins d'un an après son arrivée en Angleterre. Sa musique, par sa beauté et sa violence inouïes, incarne peut-être plus que toute autre l'aura prophétique et la puissance primordiale du chamanisme. Bien plus qu'un simple instrument, sa guitare est un véritable bâton de pouvoir mis au service d'un parcours initiatique rempli de bruit et de fureur, de sexe et de mort, à l'instar des rites d'extase collective dionysiaques du monde antique.

Présentation de l'album In Utero du groupe de rock alternatif Nirvana, croisant des mélodies pop avec des chansons punk. Les musiciens ont fait évoluer leur style entre leur fameux Unplugged donnant la part belle aux instruments acoustiques et la rugosité de leurs débuts. Le grunge porté par Kurt Cobain dégage un son abrasif, reflet des souffrances du chanteur. ©Electre 2023

Lorsque leur premier album paraît en 1992, Rage Against the Machine s'est déjà fait remarquer sur scène aux États-Unis pour cette combinaison accomplie de deux genres musicaux en plein essor : le metal et le rap. Avec ce disque, le grand public découvre une fusion qui n'a conservé de l'un ou de l'autre genre que ce qu'il contient de plus véhément. Son énergie scénique brutale y est restituée sans fioriture. Les textes ouvertement engagés soufflent sur les braises encore chaudes des émeutes de Los Angeles et ravivent ainsi la vieille tradition américaine des protest songs tombée en désuétude depuis la fin des années 1970. Rapidement devenu central dans le paysage musical de son temps, Rage Against the Machine ne semble pourtant pas connaître une postérité à la hauteur de son succès immédiat. Rouvrons le dossier !

Un ouvrage consacré à l'album phare de Neil Young, Harvest, qui s'est imposé, au fil des décennies, comme un des albums clés de l'histoire du rock par les choix de productions, d'instrumentalisation et le travail d'écriture. Il symbolise à la fois la fin des utopies de la période hippie et la naissance d'un genre musical devenu incontournable. ©Electre 2022

Il aura fallu trois décennies à Five Leaves Left pour être redécouvert par un large public, suscitant un véritable phénomène de culte autour de Nick Drake disparu quatre ans après l'achèvement de cet album. Influencé tout autant par la musique baroque que par la poésie romantique, par Leonard Cohen que par les Beatles, Five Leaves Left a été produit par Joe Boyd, le producteur des premiers enregistrements de Pink Floyd et de Fairport Convention. Celui-ci a su entourer le jeune musicien des meilleurs arrangeurs et d'un ingénieur du son au sommet de son art pour aboutir à l'un des plus beaux albums du Folk britannique. Les auteurs de cet ouvrage ont rencontré longuement Joe Boyd et se sont attachés à faire ressentir, de façon extrêmement détaillée, l'osmose qui régnait entre tous les intervenants de ce disque, mettant en évidence les moments précieux que recèle Five Leaves Left et battant en brèche la figure du poète maudit et isolé trop souvent accolée à son auteur.

Une étude de l'album Dry de PJ Harvey, sorti en 1992 et accueilli très favorablement par la critique comme par le public. En onze chansons, l'artiste raconte ses amours déçues, évoque des figures bibliques ou affronte l'ennui quotidien. ©Electre 2024

Une étude du deuxième album des Rita Mitsouko, sorti en 1986. Changeant la dimension qui était la leur jusqu'au succès de Marcia Baïla, Catherine Ringer et Fred Chichin travaillent une charpente rock-funk tirant vers des sons plus ronds, plus massifs, sans tomber dans le piège de l'emphase pop. ©Electre 2024

C'est un soldat sans joie qui s'attelle en 1996 à l'élaboration de son dixième album studio. Alain Bashung doit surmonter alors un épisode douloureux qui infuse et enrichit les textes ciselés avec Jean Fauque, mais tous deux prennent toujours soin de brouiller les pistes. Sur le plan musical aussi, Bashung souhaite rester insaisissable : il multiplie les ateliers expérimentaux confiés à des musiciens encouragés à le surprendre. Compagnons de route de longue date ou nouveaux venus dans son univers, chacun donnera le meilleur de lui-même pour accompagner cette voix respectée du rock à la française. L'objet de ce livre est de donner à voir ce processus de création, celui d'un album qui concilie simplicité mélodique et complexité harmonique, longue maturation et place faite à la spontanéité, un album qui mêle instruments organiques et sons issus de machines, dessein secret et création collective. Disque de la maturité, disque de l'aboutissement, Fantaisie militaire est surtout une échappée belle.

OK Computer s'est imposé comme un des points culminants de la culture musicale des années 1990. C'est aussi l'album qui fait entrer Radiohead dans le cercle très restreint des musiciens dont on a souligné la capacité de réaliser la synthèse créative de leur époque, celui qui leur a permis d'accéder au statut enviable de groupe « exigeant » adulé par un large public. Dès ses débuts, Radiohead a fait de l'expérimentation sonore une de ses marques les plus distinctives. Établir la discogonie de OK Computer, c'est avant tout s'attarder sur la matière sonore non pas en tant que fin en soi mais dans la perspective d'une analyse des relations étroites qu'elle entretient avec le contenu musical et thématique du disque.

A l'occasion du cinquantenaire de l'album Histoire de Melody Nelson, paru en 1971, l'auteur revient sur l'influence de J. Birkin et J.-C. Vannier dans la conception du disque, son échec commercial lors de sa sortie puis sa popularité lorsque S. Gainsbourg rencontre le succès avec sa version de la Marseillaise et enfin son triomphe posthume au Royaume-Uni. ©Electre 2021

« Avec Broken English, Marianne Faithfull s'arrache à la légende noire qui lui colle à la peau et construit son propre mythe. On n'écrira plus sa légende. Elle s'en charge. La sortie de l'album en 1979 produit un double électrochoc, sur le plan de la trajectoire musicale de Marianne Faithfull et dans le monde du rock. D'une part, il signe à la fois son grand come-back et un virage radical, scellant une rupture avec l'univers folk, l'ambiance country, la voix lisse des premiers albums. Exit la muse chic des Stones, exit l'icône trash de la défonce, exit la voix d'avant, la musique folk. D'autre part, il révolutionne, secoue à tout le moins, la scène du rock en distillant une énergie marquée par le punk, par une veine new wave combinée à des inflexions reggae, électro dance. Diamant noir, album de la défonce et de sa transmutation, il provient d'un mouvement d'arrachement à des années de dérives et réussit à rejouer musicalement l'outrenoir de la vie, l'angoisse de l'artiste, tout en restant au cœur du maelström. » L'album constitue une renaissance et un tournant pour l'égérie britannique des années soixante. La voix abimée par des années d'excès pose une nouvelle atmosphère tournée vers la décennie à venir.