Etude de la dimension technologique du cinéma sous un angle historique, théorique, esthétique et épistémologique, des premiers kaléidoscopes aux retouches numériques en passant par l'avènement de la couleur et du parlant ou encore l'expérience du cinéma odorant. Electre 2015

Un portrait du cinéaste retraçant sa filmographie et revisitant son oeuvre à travers les thèmes de la danse, du rapport au corps et de l'art de la représentation. ©Electre 2017

A partir de Belle de Jour en 1967, Luis Bunuel quitta définitivement le cinéma mexicain pour tourner en France et, parfois, en Espagne. L'étude de ce film et des cinq autres qui suivirent - La voie lactée (1969), Tristana (1970), Le charme discret de la bourgeoisie (1972), Le fantôme de la liberté (1974), Cet obscur objet du désir (1977) -, comparés aux premiers opus surréalistes et aux oeuvres mexicaines, permet de voir comment les lieux et les conditions de production ont déterminé l'expression artistique du cinéaste. Parmi les caractéristiques uniques qui justifient la constitution du corpus, ces films manifestent une écriture aux nombreuses références intertextuelles qui situent la poétique bunuelienne entre culture française et culture espagnole, et qui, associées à des rêves et d'autres récits secondaires, constituent des espaces filmiques complexes et paraissent proposer au spectateur de rechercher une vérité à tout jamais insaisissable. Les aspects testamentaires de ces dernières oeuvres sont une autre caractéristique. Au-delà d'une simple position rétrospective et syncrétique qui apprécie ces films par rapport à l'ensemble de la filmographie, cette composante testamentaire, mise en relation avec les autres particularités de la période, semble bien indiquer l'aboutissement d'une pensée cinématographique.

Cet ouvrage dresse un état international des recherches menées sur ce genre cinématographique jusqu'ici peu étudié, hybride mais prolifique, au croisement de l'histoire de l'art et du cinéma documentaire : le film sur l'art. Montrer l'artiste au travail, présenter la biographie d'un artiste disparu, sa vie intérieure, son oeuvre, entrer dans la logique de celle-ci pour en déplier la thématique ou les narrations qu'elle contient, analyser sa construction formelle, aborder une période ou suivre des évolutions stylistiques : ce sont autant de démarches qui peuvent unir, selon des modalités diverses, un cinéaste et un artiste ou un cinéaste et un historien de l’art (Diehl, Schmidt, Cassou, Huyghe, Sweeney...) – quand l'historien de l'art ne se fait pas tout simplement cinéaste (Haesaerts, Ragghianti). C'est que, de Warburg à Panofsky, de Focillon à Elie Faure et à Malraux, de Longhi à Francastel et Damisch, nombreux sont les historiens de l'art qui se sont préoccupés de ce que le cinéma pouvait apporter à leur discipline, tant au plan de la simple documentation que du modèle de perception qu'il engage par le découpage – les détails, les changements d'échelles –, le montage, la mise en mouvement et la projection par transparence. Quel bilan tirer de cette riche histoire du film sur l'art devenue quelque peu opaque (où sont ces films ? comment les voir ?) et que comprendre de l'histoire de ces productions qui, d'abord rattachées au documentaire, voire au cinéma pédagogique, ont ensuite trouvé une autonomie au sein du genre «film sur l'art» ? Quels liens furent noués entre historiens de l'art, critiques d'art et réalisateurs ? Quel apport à l'histoire de l'art cette production représente-t-elle ? Comment l'histoire de l'art et ses applications dans différents médias circulent-elles dans ces films, et quel effet cet intérêt pour l'art a-t-il pu produire

En 1891, Lohengrin entre au répertoire de l'Opéra de Paris après 30 années de rejet des oeuvres de Richard Wagner sur les scènes lyriques parisiennes. Durant cette même année l'oeuvre avait pourtant été représentée à 104 reprises dans six autres villes françaises. L'auteur analyse la production wagnérienne dans les régions françaises à la fin du XIXe siècle et la fascination exercée par cet opéra. Electre 2015

Les théâtres de société désignent des représentations données dans des lieux ou des espaces sociaux non initialement prévus à cette fin, comme par exemple le théâtre d'appartement ou celui de plein air. Soulignant la richesse de ces pratiques, cet ouvrage pluridisciplinaire examine leur identité, leurs limites et leurs enjeux dans leurs dimensions dramaturgiques, matérielles et sociales. ©Electre 2020

Parcours visant à cerner ce que J.-L. Godard appelait l'idée de comédie musicale. Dépassant la simple relecture des codes du genre, ces articles s'attachent à analyser une grande variété d'oeuvres telles que Short Cuts, Gremlins 2 ou encore le cinéma de Max Ophuls ou de Tsai Ming-Liang.