C'est sous le couvert d'un séjour en Arcadie, contrée utopique cachée au coeur de la géographie européenne, que se déroule cette rêverie proposée par Brice Sailly en hommage à François Couperin. Les pièces de clavecin, qui évoquent majoritairement l'enfance et la naissance de l'amour, y côtoient des extraits des Concerts royaux qui plantent le décor à la façon d'un Watteau, laissant aux airs de cour, moins connus, l'occasion de décrire les sentiments en mots. Couperin chuchote avec pudeur les plus lumineuses vérités. Ici, la bienveillance règne, sourire aux lèvres, coeur léger, la mélancolie est doucement remerciée au profit de la consolation. (Electre)

En 1683, Michel-Richard de Lalande entre comme sous-maître à la Chapelle Royale, après avoir été soutenu par Louis XIV lors d'un redoutable concours de recrutement. ?é seulement de 25 ans, le jeune compositeur va rapidement s'affirmer comme le favori du roi et conquérir en presque quarante ans de carrière les emplois les plus convoités de la cour. Le monarque l'associe même à la construction de la nouvelle Chapelle Royale, attenante au Château de Versailles. Au fur et à mesure que les voûtes s'élèvent, Lalande compose et arrange ses motets, qui expriment la grandeur alors sans égale du royaume, en même temps qu'ils témoignent de l'acoustique incomparable du lieu. Psaumes, hymnes, Te Deum, ses oeuvres enregistrent dans la liturgie l'atmosphère de la cour, au rythme des troubles et des réjouissances. Après avoir enregistré à la Chapelle Royale les Te Deum de Lully et de Charpentier, Vincent Dumestre et Le Poème Harmonique sont de retour à Versailles et abordent les musiques composées par Lalande pour ce lieu extraordinaire. Aux grands motets Deitatis majestatem et Ecce nunc benedicite, synthèses de la pompe royale et du langage de l'opéra, se joignent le bouleversant Miserere et le Te Deum le plus grandiose joué sous Louis XIV, celui du roi lui-même. (Electre)

Après avoir publié un CD consacré aux oeuvres polyphoniques sacrées composées pour la basilique Santa Barbara, Odhecaton propose, avec cet enregistrement, des oeuvres sacrées datant des dernières années du compositeur et écrites pour la basilique Saint-Marc, où Monteverdi devint maestro di cappella en 1613. Cet enregistrement nous donne à entendre les deux faces du style sacré de Monteverdi : le stile antico ou style contrapuntique strict, illustré par la Messe pour quatre voix publiée de façon posthume en 1650 ; et le stile moderno, à savoir une écriture vocale concertato et solo. Le monumental Gloria a 7 voix, conçu pour une chapelle riche en chanteurs et en instrumentistes, illustre parfaitement ce style concertato, qui entremêle voix et instruments. Dans cette ville de théâtres, à l'apogée du canto a voce sola, Monteverdi transforma le célèbre Lamento d'Arianna (extrait de son opéra perdu Arianna) en une pièce sacrée Iam moriar mi fili. (Electre)

Natale Monferrato (1610-1685) est de toute évidence l'un des compositeurs les plus oubliés parmi ceux qui ont exercé les plus hautes fonctions à la Basilique San Marco de Venise. Après avoir côtoyé les plus importants musiciens de cette prestigieuse chapelle, en 1676, il succède à Francesco Cavalli au poste de maître de chapelle. Son oeuvre, dédiée uniquement à la musique sacrée comporte une vingtaine de recueils édités entre 1647 et 1681. S'il accorde une place importante à la musique polyphonique, il est aussi l'auteur de trois recueils de Motetti a voce sola. Fait exceptionnel, ces trois livres réservent une part importante aux compositions pour la voix d'alto, souvent délaissée. Ils sont tellement abondants que seul le Libro Terzo de 1666 a été utilisé pour cet enregistrement. Ces motets se découpent en sections diverses et contrastées qui vont de l'esprit du récitatif à celui de l'air sous des formes très variées, une façon qui ne peut que faire penser aux modèles de l'opéra tel qu'il s'est développé à Venise dès 1637. Avec cet enregistrement en première mondiale, s'ouvre la porte de la découverte de ce compositeur oublié. (Electre)

Cinéma d'Oscar - tel pourrait être le titre de ce disque avec lequel les Cordes de l'Académie de Sainte Cécile (Archi di Santa Cecilia) dirigé par Luigi Piovano - premier violoncelle de l'Orchestre de l'Académie Nationale de Sainte Cécile et depuis plusieurs années, très apprécié également comme chef d'orchestre - débutent leur collaboration avec Arcana après deux enregistrements pour Eloquentia parus en 2014 et 2015. Nino Rota, Ennio Morricone et Nicola Piovani sont, en effet, trois compositeurs italiens qui ont obtenu les plus hautes récompenses de la cérémonie des Oscars américains. Mais ce CD va plus loin. A côté de quelques-unes de leurs plus célèbres thèmes se trouvent des oeuvres créées par ces trois monstres sacrés pour l'exécution de concert. Bien qu'ils aient concentré leur travail sur le cinéma, Rota, Morricone et Piovani restent, avant tout, compositeurs et leur activité n'exclut pas un versant créatif autonome et engagé. (Electre)

Dans l'gypte ancienne, "kem" désignait la couleur noire, comme celle du limon du Nil, de la terre noire, fertile. Un mot extrêmement positif pour une couleur souvent vue comme négative ou "diabolique". C'est sur ce terreau symbolique que cet enregistrement développe de nouveaux aspects rythmiques dont les schémas, les "danses" et les improvisations prennent racine dans la complémentarité Yin et Yang des pulsations rythmiques (égales/inégales). Pour ce voyage, Stéphane Galland est entouré de jeunes musiciens audacieux et talentueux : Sylvain Debaisieux (saxophone), Bram De Looze (piano), Federico Stocchi (contrebasse) ; il est rejoint par l'un des plus grands joueurs de flûte carnatique, Ravi Kulur (Ravi Shakar, Anoushka Shankar...), originaire du Sud de l'Inde. L'album présente également Ibrahim Maalouf en invité (très) spécial. Avec (the mystery of) Kem, Stéphane Galland revisite les racines rythmiques où convergent toutes les traditions musicales qu'il a côtoyées et intégrées dans son propre langage ; il explore un espace spécifique qui permet l'intégration de tous ces concepts sans a priori ou limitation stylistique. (Electre)

Dans la Rome de la fin du XVIIe siècle et du début du XVIIIe, des académies et des "conversations", organisées par des aristocrates et des cardinaux, attirent la fine fleur des lettrés et des musiciens. Les noms d'Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti ou du jeune Georg Friedrich Händel se signalent parmi d'autres. Giovanni Lorenzo Lulier, violoncelliste et compositeur surnommé le "Giovanni del violone", participe à cette intense activité musicale. Lorsqu'en 1690 il entre dans l'entourage du cardinal Pietro Ottoboni, Lulier a déjà derrière lui une décennie d'activité en tant que compositeur d'oratorios, d'opéras et, surtout, de cantates de chambre. Constituée à l'origine d'une succession d'airs strophiques, la cantate s'affirme peu à peu comme un genre poétique et musical caractérisé par une alternance de récitatifs et d'airs. On sait que les conversazioni des XVIIe et XVIIIe siècles prévoyaient aussi l'exécution de musique instrumentale. Le présent disque, tenant compte de cette spécificité, propose deux sonates instrumentales avec violoncelle attribuées à Lulier. (Electre)

Les Musiciens de Saint-Julien, déjà guidés par la flûte virtuose de François Lazarevitch, nous ont entrainé sur les routes d'Irlande et d'cosse, notamment High road to Kilkenny, grand succès en 2016. Cette fois, ils s'aventurent en terre d'Angleterre avec un programme essentiellement profane, dédié à Henry Purcell (1659-1695), variant les climats dans l'alternance de danses instrumentales et d'airs chantés, avec le contre-ténor anglais Tim Mead. (Electre)

Parmi les nombreux anniversaires que nous fêtons en 2018, celui des 350 ans de la mort du violoniste virtuose Francesco Maria Veracini n'est pas des moindres ! Y avait-il meilleure occasion pour (re)découvrir le premier enregistrement de référence réalisé par Enrico Gatti pour le label Arcana ? Ce sauvage violoniste florentin joua à travers toute l'Europe, laissant une empreinte indélébile dans des villes comme Dresde, Londres, Francfort et Prague. Ses sonates pour violon témoignent d'une vive imagination et d'une verve toute personnelle combinée à une brillante technique instrumentale. (Electre)

Le rôle central de Naples dans l'histoire de la musique vocale a jusqu'ici éclipsé une riche tradition de musique instrumentale. Ce n'est que récemment que la recherche musicologique a pu la mettre en lumière, démontrant que Naples joua un rôle tout aussi crucial dans le champ de la musique instrumentale, non moins important que d'autres centres plus souvent associés à ce répertoire, tels que Rome et Venise. Cet enregistrement propose un voyage de découverte dans un patrimoine musical qui, même s'il est moins connu, n'en est pas moins de grande valeur. Ce projet conçu par Enrico Gatti se concentre sur l'écriture spécifique pour trois ou quatre violons (sans alto) et continuo, typique de l'cole napolitaine. Et l'on découvre des bijoux (dont l'unique sonate pour violon seul de Giovanni Carlo Cailò, dans son premier enregistrement moderne). Ce programme permet de faire connaître à un large public de nombreux représentants de la musique instrumentale napolitaine, allant de la génération de Pietro Marchitelli (légèrement plus âgé que Corelli) et Giovanni Carlo Cailò à celle de Francesco Paolo Supriani, Angelo Ragazzi, Nicola Fiorenza et Leonardo Leo. Les formes musicales vont de la sonate d'église de style strict au concerto de conception plus moderne, offrant ainsi une expérience d'écoute agréable et variée. (Electre)

Avec cet album réunissant ses sixième et septième Quatuors à cordes, le label de disques Aeon arrive au terme de l'intégrale des Quatuors à cordes de Pascal Dusapin par le Quatuor Arditti. Ce second disque vient en effet compléter un précédent enregistrement de ses cinq premiers Opus parus en 2009. Complicité, transmission, compréhension, l'oeuvre de Pascal Dusapin leur est depuis les années 80 si familière et intimement associée (six des partitions ont été composées pour eux) qu'elle en devient indissociable. Cette édition expose ce parcours de plus de trente ans. Il établit avec le temps un corpus cohérent. Il aide l'auditeur à appréhender certaines des aspirations profondes du compositeur autant que l'évolution de son écriture. (Electre)

"Strange bird est une représentation de moi-même en musique. ? travers cet album, vous pouvez voyager dans ma tête. Les compositions ont toutes été écrites avec la plus grande spontanéité émotionnelle, où l'improvisation a la plus grande place. Vous y entendrez la douceur, la colère, la passion, la joie, la tristesse ou encore la mélancolie. C'est pour cela que j'ai fait appel à Romain Pilon, Antoine Pierre, Nicolas Thys, Nicola Andrioli et Logan Richardson pour représenter ma carte mentale, car nous partageons l'envie de trouver cette énergie qui nous pousse à oublier notre présence, et à se laisser porter par la musique et non par les notes. Bon voyage !" Jean-Paul Estiévenart. (Electre)

Musicien virtuose, enseignant la contrebasse classique au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, Jean-Paul Celea fait partie des rares solistes aussi convaincants dans les registres de la musique classique ou contemporaine que dans celui du jazz. Affirmant sans cesse son goût pour les passerelles, il initie aujourd'hui ce trio avec son complice de longue date Wolfgang Reisinger, acteur majeur de la scène autrichienne, notamment au sein du Vienna Art Orchestra. A leurs côtés, Emile Parisien, jeune saxophoniste d'une surprenante maturité, dont la modernité et l'énergie s'inscrivent à merveille dans le prolongement de l'héritage "coltranien". Le trio revisite des compositions historiques ou inédites d'Ornette Coleman, dont l'invention mélodique et la flexibilité rythmique offrent aux musiciens une grande liberté d'exécution. (Electre)

Après deux enregistrements - le premier consacré à Chopin et le second à Ravel et Scriabine et le Premier Prix du Concours Géza Anda en 2015, qui lui a permis de fortement développer sa carrière, le jeune pianiste américain a conçu ce programme sur mesure autour de Domenico Scarlatti, Schubert, Mompou et Albéniz. Andrew Tyson a imaginé un programme autour des paysages, en partant de la pièce de Federico Mompou du même nom (Paisajes) et en poursuivant le voyage en Espagne (sonates de Domenico Scarlatti et premier livre d'Iberia d'Isaac Albéniz) et dans la campagne autrichienne (où Franz Schubert composa la Sonate en la majeur, D. 664). (Electre)

Cet enregistrement live des Métamorphoses de Strauss et de la Symphonie Héroïque de Beethoven signe la naissance au disque du Sinfonia Grange au Lac : un orchestre créé en juillet 2018, à l'occasion des Rencontres Musicales d'Evian, prestigieux festival créé par Mstislav Rostropovitch en 1985 et ressuscité depuis 2014. Ambassadeur musical destiné à faire rayonner mondialement l'excellence du lieu, le Sinfonia Grange au Lac est constitué de musiciens issus des plus grandes phalanges européennes mais également de groupes constitués, comme le Trio Karénine ou le Quatuor bène. Coup de génie : avoir pu s'attacher les services d'Esa-Pekka Salonen. Le génial Finlandais s'est passionné pour le projet, a vérifié un par un la liste des membres ; il confiait à Diapason : "Notre travail commun m'a fait comprendre ce qui avait guidé Claudio Abbado quand il a créé l'Orchestre du Festival de Lucerne : le plaisir de travailler avec des musiciens choisis, et de faire de la musique avec une grande fraîcheur." (Electre)

Après avoir consacré un premier disque aux oeuvres de Wagner et Tchaïkovski, la Philharmonie Zuidnederland, sous la direction de Dmitri Liss, revient avec un programme encore plus spectaculaire. Son oeuvre centrale, la Dixième Symphonie de Chostakovitch, occupe une place toute particulière dans le coeur du chef d'orchestre, comme elle avait suscité un grand enthousiasme en concert. Comme l'explique Liss à propos de la première qui eut lieu en 1953, peu après la mort de Staline : "A l'époque, mettre trop de soi-même dans une oeuvre était extrêmement dangereux. Chostakovitch y est cependant parvenu, pour cela il a mon éternelle et profonde admiration. Chaque fois que je dirige cette symphonie, sa musique m'est de plus en plus intime." Le CD est complété par une interprétation énergique de Quinlong Azure Dragon de la compositrice russe Olga Victorova. Cette oeuvre est également chère à Liss, tout comme l'est la compositrice : après tout, Victoria est sa femme. Une raison supplémentaire pour la Philharmonie Zuidnederland de se dépasser pour défendre avec passion le célèbre Dragon oriental ainsi que le chef-d'oeuvre de Chostakovitch. (Electre)

Forts du succès des deux premiers opus de leur cycle consacré aux sonates pour violon et piano de Beethoven (Alpha 240, Diapason d'or de l'année, et Alpha 407), Lorenzo Gatto et Julien Libeer terminent ici cette intégrale en enregistrant quatre sonates. Composées entre 1797 et 1801, ces sonates sont dédiées à l'empereur Alexandre Ier de Russie, sauf la Sonate n°3, que Beethoven dédie à son maître, Antonio Salieri. Le sens de la mélodie et du tempo des deux artistes fait merveille dans ces pages qu'ils ont enregistrées dans le cadre idéal de la Salle de Musique de La Chaux de Fonds en Suisse et du Studio Flagey de Bruxelles. (Electre)

La position dominante de la Sérénissime dans l'histoire de la musique est constamment réaffirmée par la présence de certains de ses plus grands compositeurs et oeuvres dans les programmations partout dans le monde. Inês d'Avena et Claudio Ribeiro ont voulu envisager le répertoire vénitien sous un angle différent, découvrir de la « nouvelle » musique du XVIIIe siècle et peut-être ajouter une petite pièce au puzzle musical. ? l'automne 2018, ils ont passé quarante jours à explorer les archives musicales de Venise. Parmi leurs trouvailles - six sonates manuscrites anonymes per flauto et pour clavecin solo témoignant de la fraîcheur mélodique et de la vivacité rythmique tellement appréciées dans ce répertoire - se trouve aussi une ouvre de Vivaldi nouvellement découverte ; toutes sont présentées ici en première mondiale. Le résultat de leurs recherches a été enregistré à Venise dans un lieu historique, la Salla della Musica dell'Ospedaletto. (Electre)

"Les sens règnent, et la raison est morte" (Pétrarque). Le flûtiste et fondateur du mythique ensemble italien Il Giardino Armonico, Giovanni Antonini, aime les voyages musicaux et l'approche discursive de la musique. Il est parti d'une pavane anonyme du 16ème siècle, La morte de la ragione (la mort de la raison) qui évoque selon lui l'loge de la Folie d'Erasme ; l'auteur y distingue deux formes de folie : l'une renvoie à "une douce illusion de l'esprit", l'autre à la folie négative, "celle que les furies vengeresses font surgir des enfers"... Cette succession de peintures musicales nous entraine jusqu'au seuil de l'époque baroque en partant du Puzzle Canon de John Dunstable (1390- vers 1453) dont le manuscrit est une énigme, cheminant par le style "bizarre" d'Alexander Agricola (1446 vers 1506) et son rythme obsessif toujours identique, presque une anticipation de la musique minimaliste... jusqu'à une invitation à l'improvisation, avec la Galliard Battaglia de Scheidt (1587-1654), bataille utilisant un grand nombre de diminutions, pratique d'improvisation de la Renaissance... Cette grande fresque spatio-temporelle de la musique instrumentale trace une sorte d'autoportrait de Giovanni Antonini et de ses complices de toujours. Pour accompagner le disque, un riche livret illustré présente un libre parcours iconographique mêlant tableaux et photos contemporaines... (Electre)

Après avoir enregistré l'intégrale des motets des ancêtres de Johann Sebastian Bach, Vox Luminis aborde l'intégrale des concerts spirituels et cantates des mêmes compositeurs, oeuvres dans lesquelles les instruments, essentiellement des cordes, jouent un rôle très important. Dans la cantate pour la fête de Michael de Johann Christoph Bach, les trompettes et timbales sont conviées à évoquer la bataille des archanges dans le ciel. Pour compléter le programme, Vox Luminis propose la cantate Christ lag in Todesbanden de Johann Sebastian Bach, dans sa version originale qui daterait de la période d'Arnstadt et qui contient de très nombreux éléments qui la rapprochent de la musique de ses ancêtres. (Electre)

Derrière les centaines d'îles et d'histoires de guerres, la région côtière croate de Dalmatie cache d'infinis trésors musicaux. Dans cette puissante fresque musicale, quatre chanteuses de Dialogos et six chantres traditionnels croates explorent les richesses des traditions musicales dalmates, à la frontière des mondes catholique romain et byzantin depuis le Moyen Age. Entre les perles rares des manuscrits latins et les chants glagolitiques polyphoniques des régions côtières, insulaires et de l'arrière-pays croate, cet enregistrement révèle une tradition de l'année liturgique allant de l'Avent à la Semaine Sainte et nous invite à découvrir ce petit pays de la mer Adriatique, avec ses racines musicales riches et anciennes nées entre les empires romains d'Occident et d'Orient... (Electre)

Après un premier récital chez AlphaA avec Susan Manoff, Chimères, qui a remporté tous les suffrages (Diapason d'Or de l'année, Choc de l'année, Gramophone Editor's Choice), Sandrine Piau signe un récital avec orchestre qui célèbre la mélodie française à l'époque où elle passe du salon privé à la salle de concert. Conçu en partenariat avec le Palazzetto Bru Zane, ce programme évoque l'attente, le désir, le plaisir, le souvenir, les méandres de l'amour de l'héroïne romantique... sur des textes des poètes Hugo, Lamartine, Gautier, Verlaine, Sandrine Piau a choisi des mélodies de Saint-Saëns (L'attente, Papillons), Massenet (Extase, Aimonsnous... ), Vierne, ainsi que des rares Dubois, Guilmant, Bordes... Julien Chauvin et son ensemble sur instruments anciens combinent ces mélodies avec des pièces d'orchestre (Pavane de La belle au bois dormant de Ma Mère L'Oye de Ravel ou la Danse profane pour harpe et orchestre de Debussy). Le disque présente aussi des extraits des Nuits d'été de Berlioz et se conclut sur le célèbre Plaisir d'amour de Martini. (Electre)

Par l'association du sacré et du profane qu'elle incarne, la personnalité profondément humaine de Marie-Madeleine inspira au plus haut point les artistes de l'époque baroque, peintres, poètes et compositeurs. C'est dans la mouvance des oratorios italiens forts prisés à la cour de Vienne qu'Antonio Bertali lui consacre en 1663 un bouleversant sepolcro, genre traditionnellement joué lors de la Semaine Sainte. En 1617, à Mantoue, c'est sous forme d'intermèdes théâtraux qu'elle est honorée par la plume de compositeurs de cour tels que Salomone Rossi, Muzio Effrem ou encore Claudio Monteverdi, qui signe le prologue de cette autre Maddalena. Scherzi Musicali propose le premier enregistrement mondial intégral de ces deux oeuvres. (Electre)

Pour son premier enregistrement chez Ricercar et en prélude à une anthologie du répertoire allemand baroque pour le clavecin, Yoann Moulin aborde le répertoire de deux des plus illustres disciples de Sweelinck. Préludes, chorals, fugues, danses et airs variés offrent une grande diversité dans ces répertoires et permettent de saisir la personnalité des deux compositeurs, Scheidt l'introverti et Scheidemann plus flamboyant et baroque. (Electre)

Sonates virtuoses, tarentelles et chaconnes du XVIIe siècle italien sont portées en un même souffle par le jeune ensemble Prisma. Les quatre musiciens agrémentent ce programme haut en couleur de leurs improvisations comme autant de variations sur le thème des saisons. Prisma est un ensemble de jeunes musiciens qui se sont réunis autour de la musique si expressive, singulière et colorée des XVIe et XVIIe siècles. En mai 2015, Prisma a remporté le 1er Prix du Concours international Heinrich Ignaz Franz Biber en Autriche, ce qui lui a valu par la suite d'être invité à se produire au Festival Biber à Vienne, au Reihe Historischer Music der Händel-Festspiele Göttingen, ainsi que sur les ondes de la Westdeutscher Rundkunft. Sur scène, Prisma cherche à transmettre la musique comme une histoire que l'on raconte : les musiciens parlent avec leurs instruments, se soutiennent, se disputent parfois, traduisant ainsi la puissance expressive du répertoire. (Electre)

Carl Philipp Emanuel Bach est le plus célèbre des fils de J.S. Bach. Son oeuvre magistrale est notamment constituée de concertos pour divers instruments et de pièces pour clavier. Mais ce compositeur a également excellé dans la musique vocale, poursuivant ainsi la tradition familiale en composant notamment des cantates et des lieders religieux et profanes. Ses oeuvres respectent les règles du style baroque tout en laissant percevoir les prémices du style classique, représenté plus tard par Haydn et Mozart. (Electre)

C'est en 1535 que Sylvestro Ganassi édite à Venise le premier traité qui développe la technique de l'art de l'ornementation à un niveau de complexité rythmique et de virtuosité inouï. Jouant la flûte à bec, l'instrument auquel Ganassi dédie son ouvrage, Denis Raisin Dadre applique les règles du traité au répertoire que pratiquait Ganassi, les frottoles et surtout les madrigaux de Philippe Verdelot. Avec les ornements la musique se révèle un art vivant qui pratique le décalage rythmique permanent, la virtuosité exubérante des improvisations et un swing qui sera celui du jazz du XXe siècle. (Electre)