Beethoven n'a que vingt ans lorsqu'il rencontre Joseph Haydn en 1790. Deux ans plus tard, le jeune compositeur rejoint alors les nombreux élèves du maître viennois mais, lassé de l'indisponibilité de son professeur et heurté par ses critiques, il ne tardera pas à interrompre les cours, déclarant amèrement quelques années plus tard : "je n'ai jamais rien appris de Haydn". C'est cette distance, cette différence de style et d'ambition entre Beethoven et son ancien maître, que l'on peut entendre dans cet enregistrement d'Olivier Cavé, pianiste suisse. Alors que la Sonate Hob. XVI:32 (1776) de Haydn se veut classique mais animée, la Hob. XVI:48, composée seulement quatre ans plus tard, est assagie, plus académique. Beethoven, lui, cherche à rompre avec ce classicisme, s'autorisant davantage d'expression et remplaçant dans sa Sonate n°2 le traditionnel menuet du troisième mouvement par un scherzo, témoignage de son esprit révolutionnaire. (Electre)

2017 a été marquée par l'ouverture de la Philharmonie de Hambourg. Krzysztof Urbanski et la NDR Elbphilharmonie Orchestra y ont donné des concerts d'inauguration qui ont marqué les mémoires et les critiques. ? cette occasion, le chef polonais a choisi d'enregistrer une des oeuvres qui lui tient le plus à coeur, Le sacre du printemps. L'enregistrement audio a été réalisé en session dans la Philharmonie et le Blu-Ray qui accompagne le CD comprend le film du concert donné en février 2017 dans ce superbe bâtiment imaginé par les architectes suisses Herzog et de Meuron. (Electre)

Pour son troisième album chez Alpha, Patricia Kopatchinskaja est rejointe par une pianiste de grand talent et tout aussi "extrême" qu'elle, Polina Leschenko. Ensemble, elles explorent des pièces qui ont de nombreux points communs. Bartók et Ravel ont tous deux eu pour "muse" la violoniste hongroise Jelly d'Aranyi qui était la petite-nièce de Joseph Joachim. En 1922 et 1923, elle crée les deux sonates de Bartók et Ravel lui dédie Tzigane. Tzigane par Patricia Kopatchinskaja, qui joue et danse cette musique depuis son enfance moldave, ne sonne bien sûr pas comme une musique de salon... Après un récital en 2017, le Financial Times écrivait : "Dans une autre vie, elle a dû être une rock star. C'est une violoniste qui aime prendre des risques. [... ] Au final, une force incroyable !". Une pièce pour piano seul de Dohnányi, sa Valse Coppélia d'après Léo Delibes, complète ce voyage : un autre symbole des relations entre la France et la Hongrie. (Electre)

Le duo de pianistes formé par Arthur Gold (1917-1990) et Robert Fizdale (1920-1995) connut une immense célébrité dans les années d'après guerre. Poulenc leur écrivit une pièce, ainsi que Darius Milhaud, Samuel Barber, Luciano Berio ou John Cage... Ils enregistrèrent avec Leonard Bernstein. Surnommés "Les Boys", ils firent le tour du monde. Ils furent également célèbres pour leurs best-sellers et leurs émissions de télévision sur la cuisine, leur autre passion. A l'instar des Boys, Adelaïde Panaget et Naïri Badal ne sont pas soeurs, mais des amies d'enfance et consituent le Duo Jatekok ("jeux" en hongrois) formé en 2007. Pour ce premier enregistrement chez Alpha, elles ont décidé de rendre hommage aux Boys avec un programme d'oeuvres écrites pour eux, la Sonate pour deux pianos de Poulenc ainsi que son Elégie et une composition d'une légende du jazz, le pianiste américain Dave Brubeck, Points on jazz. Les Jatekok ont voulu elles aussi intégrer une pièce d'un de leurs contemporains : Trois pièces de Baptiste Trotignon complètent ce programme. (Electre)

Après avoir redécouvert la musique de Giovanni Croce, maestro di cappella à la cathédrale Saint-Marc de Venise, les ensembles Voces Suaves et Concerto Scirocco nous emmènent à Salzbourg et mettent en lumière le compositeur Stefano Bernardi, né à Vérone et contemporain de Monteverdi. Bernardi atteignit le sommet de sa carrière à Salzbourg, quand il fut nommé premier Kapellmeister de la nouvelle cathédrale, poste qu'il occupa de 1628 à 1634. Il contribua grandement à l'intégration du nuovo stile italien à Salzbourg, en particulier de caractéristiques comme la polychoralité et le stile concertato, et peut donc être considéré comme l'ancêtre musical de musiciens salzbourgeois plus récents et plus célèbres. Son Requiem majestueux, dont le manuscrit est conservé dans les archives de la cathédrale de Salzbourg, témoigne de la carrure exceptionnelle de sa musique. La Sequentia est particulièrement impressionnante, qui forme le coeur de l'oeuvre et s'ouvre avec une section Dies irae élaborée, basée sur la fameuse séquence. Le Requiem ainsi qu'un certain nombre de motets de Bernardi sont enregistrés ici en première mondiale. (Electre)

Avec ce troisième opus du projet Stradella, Andrea De Carlo et l'ensemble Mare Nostrum poursuivent leur exploration de l'oratorio, suite à la récente redécouverte de San Giovanni Crisostomo. Figure historique du Xe siècle, Edith of Wilton était une religieuse anglaise de noble naissance, et la légende veut qu'elle refusa l'opportunité de monter sur le trône, causant l'aversion d'une faction des nobles. Le rôle-titre de l'oratorio de Stradella, Edith, est disputé entre différents caractères allégoriques : d'un côté Humiltà, qui la pousse à une vie monastique chaste, de l'autre les figures mondaines de Grandezza, Bellezza, Nobiltà et Senso, qui toutes l'invitent à devenir reine et à jouir des plaisirs de la vie. Retrouvez Francesca Aspromonte qui avait ébloui dans le rôle d'Eurydice lors de la résurrection de l'Orfeo de Luigi Rossi ! (Electre)

Hervé Niquet se caractérise par deux traits immuables : c'est un infatigable défricheur de musiques oubliées, il aime la polyphonie et "les grandes formes". Il y a quelques années, il avait fait sensation en exhumant la musique monumentale de Striggio... Pour les 30 ans de son ensemble, Le Concert Spirituel, il s'attaque à un nouveau sommet de la polyphonie : une Messe d'Orazio Benevolo (1605-1672) interprétée par 8 choeurs à 4 voix, accompagnés de quinze continuistes. En concert, les choeurs sont répartis dans la nef, le public étant au milieu. De père (pâtissier) bourguignon émigré à Rome, membre de la Maîtrise de Saint-Louis des Français, Benevolo fut l'un des plus grands génies de la polychoralité, un compositeur prolixe, représentant le faste de l'art français à Rome. Il finit sa carrière comme maître de chapelle au Vatican. Cette musique est ressuscitée grâce au travail du grand musicologue Jean Lionnet qui copia à la main, des années durant, l'oeuvre de nombreux compositeurs italiens du Fonds musical du Vatican, duquel on ne pouvait faire sortir aucun document. Ainsi la Missa Si Deus pro nobis nous est restituée ici, accompagnée par des pièces vocales et instrumentales de Monteverdi, Frescobaldi et Palestrina. (Electre)

Pouvez-vous imaginer que l'un des saints les plus populaires du calendrier chrétien au Moyen ?e était... Bouddha ? Après dix ans de recherches dans de très nombreuses bibliothèques partout dans le monde, Katarina Livljanic et l'ensemble Dialogos, fidèles à leur intrépide esprit d'exploration, nous ramènent une nouvelle surprise de terres médiévales méconnues, après avoir connu le succès avec leurs précédents albums (Dalmatica: Chants of the Adriatic, Lombards & barbares, La vision de Tondal, Judith: a biblical story from Renaissance Croatia... ). C'est l'incroyable histoire des saints Barlaam et Josaphat, une version christianisée de la vie de Bouddha, qui a traversé au moins quatre religions et a été transmise par presque toutes les langues médiévales. Des chansons puissantes - incarnées par des voix et des instruments - racontent la légende du fils du roi, le prince Josaphat, qui quitte le bruyant monde de l'opulence pour chercher la paix intérieure. Ces chansons suivent le chemin de son histoire d'une langue médiévale à l'autre, du grec et du latin à l'ancien croate, à l'italien, au slavon liturgique... Ce projet vous offre une expérience nouvelle et unique : un e-book multimédia, en français et en anglais, est inclus dans ce CD. Il raconte l'histoire de Barlaam et de Josaphat et conduit l'auditeur-lecteur à travers l'un des labyrinthes les plus fascinants du monde médiéval. Un matériel vidéo, audio et iconographique riche et original vous invite à découvrir un processus artistique créatif qui a transformé une légende médiévale en performance musicale. (Electre)

En 1683, Michel-Richard de Lalande entre comme sous-maître à la Chapelle Royale, après avoir été soutenu par Louis XIV lors d'un redoutable concours de recrutement. ?é seulement de 25 ans, le jeune compositeur va rapidement s'affirmer comme le favori du roi et conquérir en presque quarante ans de carrière les emplois les plus convoités de la cour. Le monarque l'associe même à la construction de la nouvelle Chapelle Royale, attenante au Château de Versailles. Au fur et à mesure que les voûtes s'élèvent, Lalande compose et arrange ses motets, qui expriment la grandeur alors sans égale du royaume, en même temps qu'ils témoignent de l'acoustique incomparable du lieu. Psaumes, hymnes, Te Deum, ses oeuvres enregistrent dans la liturgie l'atmosphère de la cour, au rythme des troubles et des réjouissances. Après avoir enregistré à la Chapelle Royale les Te Deum de Lully et de Charpentier, Vincent Dumestre et Le Poème Harmonique sont de retour à Versailles et abordent les musiques composées par Lalande pour ce lieu extraordinaire. Aux grands motets Deitatis majestatem et Ecce nunc benedicite, synthèses de la pompe royale et du langage de l'opéra, se joignent le bouleversant Miserere et le Te Deum le plus grandiose joué sous Louis XIV, celui du roi lui-même. (Electre)

Après avoir publié un CD consacré aux oeuvres polyphoniques sacrées composées pour la basilique Santa Barbara, Odhecaton propose, avec cet enregistrement, des oeuvres sacrées datant des dernières années du compositeur et écrites pour la basilique Saint-Marc, où Monteverdi devint maestro di cappella en 1613. Cet enregistrement nous donne à entendre les deux faces du style sacré de Monteverdi : le stile antico ou style contrapuntique strict, illustré par la Messe pour quatre voix publiée de façon posthume en 1650 ; et le stile moderno, à savoir une écriture vocale concertato et solo. Le monumental Gloria a 7 voix, conçu pour une chapelle riche en chanteurs et en instrumentistes, illustre parfaitement ce style concertato, qui entremêle voix et instruments. Dans cette ville de théâtres, à l'apogée du canto a voce sola, Monteverdi transforma le célèbre Lamento d'Arianna (extrait de son opéra perdu Arianna) en une pièce sacrée Iam moriar mi fili. (Electre)

Natale Monferrato (1610-1685) est de toute évidence l'un des compositeurs les plus oubliés parmi ceux qui ont exercé les plus hautes fonctions à la Basilique San Marco de Venise. Après avoir côtoyé les plus importants musiciens de cette prestigieuse chapelle, en 1676, il succède à Francesco Cavalli au poste de maître de chapelle. Son oeuvre, dédiée uniquement à la musique sacrée comporte une vingtaine de recueils édités entre 1647 et 1681. S'il accorde une place importante à la musique polyphonique, il est aussi l'auteur de trois recueils de Motetti a voce sola. Fait exceptionnel, ces trois livres réservent une part importante aux compositions pour la voix d'alto, souvent délaissée. Ils sont tellement abondants que seul le Libro Terzo de 1666 a été utilisé pour cet enregistrement. Ces motets se découpent en sections diverses et contrastées qui vont de l'esprit du récitatif à celui de l'air sous des formes très variées, une façon qui ne peut que faire penser aux modèles de l'opéra tel qu'il s'est développé à Venise dès 1637. Avec cet enregistrement en première mondiale, s'ouvre la porte de la découverte de ce compositeur oublié. (Electre)

Cinéma d'Oscar - tel pourrait être le titre de ce disque avec lequel les Cordes de l'Académie de Sainte Cécile (Archi di Santa Cecilia) dirigé par Luigi Piovano - premier violoncelle de l'Orchestre de l'Académie Nationale de Sainte Cécile et depuis plusieurs années, très apprécié également comme chef d'orchestre - débutent leur collaboration avec Arcana après deux enregistrements pour Eloquentia parus en 2014 et 2015. Nino Rota, Ennio Morricone et Nicola Piovani sont, en effet, trois compositeurs italiens qui ont obtenu les plus hautes récompenses de la cérémonie des Oscars américains. Mais ce CD va plus loin. A côté de quelques-unes de leurs plus célèbres thèmes se trouvent des oeuvres créées par ces trois monstres sacrés pour l'exécution de concert. Bien qu'ils aient concentré leur travail sur le cinéma, Rota, Morricone et Piovani restent, avant tout, compositeurs et leur activité n'exclut pas un versant créatif autonome et engagé. (Electre)

Dans la Rome de la fin du XVIIe siècle et du début du XVIIIe, des académies et des "conversations", organisées par des aristocrates et des cardinaux, attirent la fine fleur des lettrés et des musiciens. Les noms d'Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti ou du jeune Georg Friedrich Händel se signalent parmi d'autres. Giovanni Lorenzo Lulier, violoncelliste et compositeur surnommé le "Giovanni del violone", participe à cette intense activité musicale. Lorsqu'en 1690 il entre dans l'entourage du cardinal Pietro Ottoboni, Lulier a déjà derrière lui une décennie d'activité en tant que compositeur d'oratorios, d'opéras et, surtout, de cantates de chambre. Constituée à l'origine d'une succession d'airs strophiques, la cantate s'affirme peu à peu comme un genre poétique et musical caractérisé par une alternance de récitatifs et d'airs. On sait que les conversazioni des XVIIe et XVIIIe siècles prévoyaient aussi l'exécution de musique instrumentale. Le présent disque, tenant compte de cette spécificité, propose deux sonates instrumentales avec violoncelle attribuées à Lulier. (Electre)

Les Musiciens de Saint-Julien, déjà guidés par la flûte virtuose de François Lazarevitch, nous ont entrainé sur les routes d'Irlande et d'cosse, notamment High road to Kilkenny, grand succès en 2016. Cette fois, ils s'aventurent en terre d'Angleterre avec un programme essentiellement profane, dédié à Henry Purcell (1659-1695), variant les climats dans l'alternance de danses instrumentales et d'airs chantés, avec le contre-ténor anglais Tim Mead. (Electre)

Le rôle central de Naples dans l'histoire de la musique vocale a jusqu'ici éclipsé une riche tradition de musique instrumentale. Ce n'est que récemment que la recherche musicologique a pu la mettre en lumière, démontrant que Naples joua un rôle tout aussi crucial dans le champ de la musique instrumentale, non moins important que d'autres centres plus souvent associés à ce répertoire, tels que Rome et Venise. Cet enregistrement propose un voyage de découverte dans un patrimoine musical qui, même s'il est moins connu, n'en est pas moins de grande valeur. Ce projet conçu par Enrico Gatti se concentre sur l'écriture spécifique pour trois ou quatre violons (sans alto) et continuo, typique de l'cole napolitaine. Et l'on découvre des bijoux (dont l'unique sonate pour violon seul de Giovanni Carlo Cailò, dans son premier enregistrement moderne). Ce programme permet de faire connaître à un large public de nombreux représentants de la musique instrumentale napolitaine, allant de la génération de Pietro Marchitelli (légèrement plus âgé que Corelli) et Giovanni Carlo Cailò à celle de Francesco Paolo Supriani, Angelo Ragazzi, Nicola Fiorenza et Leonardo Leo. Les formes musicales vont de la sonate d'église de style strict au concerto de conception plus moderne, offrant ainsi une expérience d'écoute agréable et variée. (Electre)

"Strange bird est une représentation de moi-même en musique. ? travers cet album, vous pouvez voyager dans ma tête. Les compositions ont toutes été écrites avec la plus grande spontanéité émotionnelle, où l'improvisation a la plus grande place. Vous y entendrez la douceur, la colère, la passion, la joie, la tristesse ou encore la mélancolie. C'est pour cela que j'ai fait appel à Romain Pilon, Antoine Pierre, Nicolas Thys, Nicola Andrioli et Logan Richardson pour représenter ma carte mentale, car nous partageons l'envie de trouver cette énergie qui nous pousse à oublier notre présence, et à se laisser porter par la musique et non par les notes. Bon voyage !" Jean-Paul Estiévenart. (Electre)

Après deux enregistrements - le premier consacré à Chopin et le second à Ravel et Scriabine et le Premier Prix du Concours Géza Anda en 2015, qui lui a permis de fortement développer sa carrière, le jeune pianiste américain a conçu ce programme sur mesure autour de Domenico Scarlatti, Schubert, Mompou et Albéniz. Andrew Tyson a imaginé un programme autour des paysages, en partant de la pièce de Federico Mompou du même nom (Paisajes) et en poursuivant le voyage en Espagne (sonates de Domenico Scarlatti et premier livre d'Iberia d'Isaac Albéniz) et dans la campagne autrichienne (où Franz Schubert composa la Sonate en la majeur, D. 664). (Electre)

Cet enregistrement live des Métamorphoses de Strauss et de la Symphonie Héroïque de Beethoven signe la naissance au disque du Sinfonia Grange au Lac : un orchestre créé en juillet 2018, à l'occasion des Rencontres Musicales d'Evian, prestigieux festival créé par Mstislav Rostropovitch en 1985 et ressuscité depuis 2014. Ambassadeur musical destiné à faire rayonner mondialement l'excellence du lieu, le Sinfonia Grange au Lac est constitué de musiciens issus des plus grandes phalanges européennes mais également de groupes constitués, comme le Trio Karénine ou le Quatuor bène. Coup de génie : avoir pu s'attacher les services d'Esa-Pekka Salonen. Le génial Finlandais s'est passionné pour le projet, a vérifié un par un la liste des membres ; il confiait à Diapason : "Notre travail commun m'a fait comprendre ce qui avait guidé Claudio Abbado quand il a créé l'Orchestre du Festival de Lucerne : le plaisir de travailler avec des musiciens choisis, et de faire de la musique avec une grande fraîcheur." (Electre)

Après avoir consacré un premier disque aux oeuvres de Wagner et Tchaïkovski, la Philharmonie Zuidnederland, sous la direction de Dmitri Liss, revient avec un programme encore plus spectaculaire. Son oeuvre centrale, la Dixième Symphonie de Chostakovitch, occupe une place toute particulière dans le coeur du chef d'orchestre, comme elle avait suscité un grand enthousiasme en concert. Comme l'explique Liss à propos de la première qui eut lieu en 1953, peu après la mort de Staline : "A l'époque, mettre trop de soi-même dans une oeuvre était extrêmement dangereux. Chostakovitch y est cependant parvenu, pour cela il a mon éternelle et profonde admiration. Chaque fois que je dirige cette symphonie, sa musique m'est de plus en plus intime." Le CD est complété par une interprétation énergique de Quinlong Azure Dragon de la compositrice russe Olga Victorova. Cette oeuvre est également chère à Liss, tout comme l'est la compositrice : après tout, Victoria est sa femme. Une raison supplémentaire pour la Philharmonie Zuidnederland de se dépasser pour défendre avec passion le célèbre Dragon oriental ainsi que le chef-d'oeuvre de Chostakovitch. (Electre)

Forts du succès des deux premiers opus de leur cycle consacré aux sonates pour violon et piano de Beethoven (Alpha 240, Diapason d'or de l'année, et Alpha 407), Lorenzo Gatto et Julien Libeer terminent ici cette intégrale en enregistrant quatre sonates. Composées entre 1797 et 1801, ces sonates sont dédiées à l'empereur Alexandre Ier de Russie, sauf la Sonate n°3, que Beethoven dédie à son maître, Antonio Salieri. Le sens de la mélodie et du tempo des deux artistes fait merveille dans ces pages qu'ils ont enregistrées dans le cadre idéal de la Salle de Musique de La Chaux de Fonds en Suisse et du Studio Flagey de Bruxelles. (Electre)

"Les sens règnent, et la raison est morte" (Pétrarque). Le flûtiste et fondateur du mythique ensemble italien Il Giardino Armonico, Giovanni Antonini, aime les voyages musicaux et l'approche discursive de la musique. Il est parti d'une pavane anonyme du 16ème siècle, La morte de la ragione (la mort de la raison) qui évoque selon lui l'loge de la Folie d'Erasme ; l'auteur y distingue deux formes de folie : l'une renvoie à "une douce illusion de l'esprit", l'autre à la folie négative, "celle que les furies vengeresses font surgir des enfers"... Cette succession de peintures musicales nous entraine jusqu'au seuil de l'époque baroque en partant du Puzzle Canon de John Dunstable (1390- vers 1453) dont le manuscrit est une énigme, cheminant par le style "bizarre" d'Alexander Agricola (1446 vers 1506) et son rythme obsessif toujours identique, presque une anticipation de la musique minimaliste... jusqu'à une invitation à l'improvisation, avec la Galliard Battaglia de Scheidt (1587-1654), bataille utilisant un grand nombre de diminutions, pratique d'improvisation de la Renaissance... Cette grande fresque spatio-temporelle de la musique instrumentale trace une sorte d'autoportrait de Giovanni Antonini et de ses complices de toujours. Pour accompagner le disque, un riche livret illustré présente un libre parcours iconographique mêlant tableaux et photos contemporaines... (Electre)

Après un premier récital chez AlphaA avec Susan Manoff, Chimères, qui a remporté tous les suffrages (Diapason d'Or de l'année, Choc de l'année, Gramophone Editor's Choice), Sandrine Piau signe un récital avec orchestre qui célèbre la mélodie française à l'époque où elle passe du salon privé à la salle de concert. Conçu en partenariat avec le Palazzetto Bru Zane, ce programme évoque l'attente, le désir, le plaisir, le souvenir, les méandres de l'amour de l'héroïne romantique... sur des textes des poètes Hugo, Lamartine, Gautier, Verlaine, Sandrine Piau a choisi des mélodies de Saint-Saëns (L'attente, Papillons), Massenet (Extase, Aimonsnous... ), Vierne, ainsi que des rares Dubois, Guilmant, Bordes... Julien Chauvin et son ensemble sur instruments anciens combinent ces mélodies avec des pièces d'orchestre (Pavane de La belle au bois dormant de Ma Mère L'Oye de Ravel ou la Danse profane pour harpe et orchestre de Debussy). Le disque présente aussi des extraits des Nuits d'été de Berlioz et se conclut sur le célèbre Plaisir d'amour de Martini. (Electre)

Carl Philipp Emanuel Bach est le plus célèbre des fils de J.S. Bach. Son oeuvre magistrale est notamment constituée de concertos pour divers instruments et de pièces pour clavier. Mais ce compositeur a également excellé dans la musique vocale, poursuivant ainsi la tradition familiale en composant notamment des cantates et des lieders religieux et profanes. Ses oeuvres respectent les règles du style baroque tout en laissant percevoir les prémices du style classique, représenté plus tard par Haydn et Mozart. (Electre)

Composé 25 ans après le célèbre chef-d'oeuvre de Pergolèse, de formation identique, le Stabat Mater de Nicola Logroscino (prononcer "Logròscino"), s'inscrit dans une longue lignée de compositions engendrées par l'cole Napolitaine sur le modèle d'Alessandro Scarlatti (1723). Bien qu'inspirée par d'illustres précédents, cette oeuvre s'en distingue par sa forte vocation théâtrale, due à la longue expérience de l'auteur dans le genre de l'opéra, surtout comique, dont il fut l'un des grands protagonistes jusqu'à la moitié du XVIIIè siècle. Son Stabat Mater consiste donc en un véritable concentré de style d'opéra, dans lequel des airs de grande ampleur s'alternent à de vifs duos, de cadence et d'origine presque populaire, et à des récitatifs secs et essentiels. (Electre)

Joël Grare, percussioniste et infatigable chercheur de sons et d'instruments rares, signe ici sont troisième album chez Alpha. Au fil de ses compositions et de ses inspirations (Debussy, Bartók), il chemine au gré de ses émotions de ses incroyables instruments : tambours, balafon, mélodica sont rejoints par les tambours japonais et autres sanza, sonnailles, toupins, trompiki, bâton de pluie, plaque à tonnerre... (Electre)

En 1512, Giovanni di Lorenzo di Piero de' Medici (1475-1521) était l'aîné des survivants mâles de la banche aînée de la célèbre famille des Medici à Florence, l'aîné des fils survivants du mythique Lorenzo "il Magnifico". Giovanni avait hérité de sa famille un intérêt raffiné et un soutien zélé aux arts : littérature, peinture, sculpture, architecture et musique. Parmi ceux-ci et peut-être en raison de sa mauvaise vue, c'est la musique que préférait Giovanni, pour laquelle sa passion était légendaire parmi ses contemporains. La vie musicale à la cour de Léon était incroyablement riche et dynamique, ainsi que le confirment d'innombrables témoins. Ce disque a pour ambition de donner une vie sonore à ce monde, de faire revivre l'ambiance de la cour de Léon et d'illustrer l'éventail des pratiques caractérisant ses propres expériences musicales. Il est conçu comme un hommage à un mécène rare et extraordinaire (lui-même compositeur et musicien) qui occupa cette position particulière au sommet de la hiérarchie ecclésiastique universelle. (Electre)

A l'époque baroque, le duetto da camera, généralement conçu pour deux voix égales et continuo, était une forme importante de musique de chambre vocale, dont d'innombrables exemples se trouvent dans les oeuvres de compositeurs liés à Venise, les principaux protagonistes dans l'histoire de ce genre. Un important groupe de voix féminines jeunes et talentueuses (Silva Frigato, Lea Desandre... ) a rejoint la vénitienne Sara Mingardo pour cet étonnant projet, où des chefs-d'oeuvre des principaux compositeurs de l'époque ont été confiés aux voix les plus adaptées pour en rehausser le contenu musical. Cet enregistrement propose des oeuvres inédites et jamais jouées, transcrites et éditées par le claveciniste Edward Smith. Au coeur du programme, Sara Mingardo quitte un moment ses collègues pour apparaître comme soliste dans Fuggi pur, o crudele de Francesco Lucio, un lamento splendide et typique enregistré ici pour la première fois. ' (Electre)