Jo Wedin (ancienne Mai) et Jean Felzine (aussi dans Mustang) sont un duo pop franco-suédois de chanteurs-songwriters qui cherchent à écrire les meilleurs refrains et à les chanter le mieux, le plus fort possible. Leurs paroles abordent l'érotomanie, la neurasthénie, les conséquences fâcheuses de la chirurgie esthétique sur le mariage, la jalousie de classe, les hommes (et les femmes) qui ne se rasent plus, bref : tout un tas de problèmes contemporains. (Electre) (Electre)

Depuis 2006, date de la sortie de son premier album, il n'a cessé de grandir et s'impose aujourd'hui comme un artiste complet, multifacettes. Ancien boxeur et ancien chef opérateur, il a multiplié les collaborations prestigieuses que ce soit pour ses propres albums (Mario Caldato et Money Mark des Beastie Boys, Miossec), ou pour ceux des autres : il a composé un titre pour l'album Bleu pétrole de Bashung, écrit un disque complet pour Dick Rivers (une première en 47 ans), collaboré avec Françoise Hardy, Amandine Bourgeois ou même Day One. Fort de toutes ces expériences, c'est un Joseph d'Anvers à la fois apaisé et conquérant qui revient avec cet album. Un album à l'image du personnage tout à la fois franc, direct, élégant et plein de subtilités.

Depuis 1987, ce monstre industriel à seize têtes propage sa rage et son chant sur tous les continents. Ils donnent un sens à l'expression "art vivant" : l'énergie, le flux, la vie même émane du jeu de cette bande qui fascine et submerge. Leur nombre, leur élan et leurs influences sculptent une musique énergique et tranchante mêlant rock, indus, techno, metal et afrobeat, modelée de sons synthétiques et de samples.

Six mois après la sortie de Dissident, des dates de concert complètes partout en France, au Québec, des festivals majeurs, le groupe annonce sa tournée d'automne et revient avec une édition cristal de l'album. (Electre)

Créé en 2017, Princesses Leya est né de la rencontre entre Antoine Schoumsky et Dedo. Tous deux fans de métal, et cherchant à mélanger cette culture commune avec l'humour, ils s'associent pour former un duo antagoniste : Dedo incarne les clichés, réels, du métal (si si il y en a) et Antoine les clichés que les non-initiés propagent sans connaître. Cet album est un clin d'oil taquin à la surenchère des films de super héros actuels : dans le précédent opus, les Princesses devaient sauver une dimension remplie de gens fous, pour pouvoir revenir sur leur terre. Cette fois, les Princesses ne doivent pas sauver une dimension mais toutes les dimensions ! Comment ? Avec le métal bien sûr et cela pour la survie de leur Terre. Surenchère narrative ? Èvidemment ! Mais cette fois, moins de sketch et plus de musique. Fini les covers ! Que des compositions provenant de leurs tripoux. En gros, les Princesses viennent d'en finir avec l'acné, les ados attardés sont bien décidés à devenir des adultes immatures.

A peine deux ans après avoir signé son retour avec Terminé Bonsoir, Marka revient avec un opus intitulé Voodoo Belge. Composé de 13 titres, cet album est un condensé de ce que le Bruxellois fait le mieux : des titres efficaces (l'entêtant Penelope Cruz) saupoudrés de cette pointe d'humour si caractéristique avec Marka (On ne peut pas en duo avec l'harmoniciste Greg Zlap ou le titre Je positive). Le père de la famille la plus célèbre de Belgique s'autorise également un petit regard dans le rétroviseur avec Un vieux rocker, ballade autobiographique touchante. Avec cet album, Marka démontre une fois de plus ses qualités d'auteur et mélodiste et vous initie au Voodoo Belge, celui qui fait frétiller les oreilles et les zygomatiques.

Fidèle à sa volonté d'être différent à chaque fois, après un album piano-voix, puis une ouverture vers une formule plus pop, il a privilégié une approche intimiste sous forme d'un trio : Marc Haussmann, un pianiste rencontré à Berlin qui l'accompagne désormais en tournée, Alice Animal, qu'il a découverte en la voyant chanter sur scène avec sa guitare électrique, et lui-même à la guitare sèche. La production a été confiée, comme pour le précédent album, à David Sztanke, qui fut le fondateur du groupe Tahiti Boy & The Palmtree Family et qui est parvenu à restituer la volonté initiale de simplicité tout en la parant de charmes pop. L'impression d'authenticité qui se dégage des onze chansons n'est pas due au hasard : elle est liée à ces choix d'enregistrement qui, en harmonie avec les conditions de conception, permettent d'apprécier à sa juste valeur cette voix chaude et chaleureuse, ces mélodies qui trottent dans la tête au fil des ballades et ces textes dont l'impact poétique se conjugue sur différents modes.

Après 15 ans d'existence et plus de 1500 concerts, le cinquième album du groupe apporte une nouvelle tonalité en distillant des cuivres et des cordes dans des titres aux mélodies toujours aussi accrocheuses. (Electre)

Tout feu, tout bleu. S'il fallait dépeindre le nouvel album de Jil Caplan avec des couleurs, ce serait celles-là. Feu comme le brasier de la colère et l'incendie de la passion, bleu comme l'azur infini et les meurtrissures de l'âme. La braise et le blues, la flamme et le spleen. Il conviendrait aussi d'y ajouter sensualité et mélancolie, tournoyant dans un tourbillon d'émotions. Comme un soleil noir, aussi sombre qu'incandescent. Sur les cendres danser, pour retrouver la joie, l'envol, pour revivre tout simplement. Après la pop électro de Derrière la porte et le jazz manouche d'Imparfaite, ses précédents albums, Jil Caplan revient à ses éternelles amours, un retour aux sources qui l'ont toujours nourrie : le folk rock à guitares, les ballades charnelles, les harmonies subtiles, quelque part entre Paul McCartney et Jeff Buckley. Tout cela grâce à la magie d'une rencontre : celle dÈmilie Marsh, musicienne, compositrice, autrice et interprète, qui fut longtemps la guitariste et larrangeuse de la chanteuse Dani, prématurément disparue, mais dont l'esprit bienveillant plane sur le duo. Une complicité à l'ardeur créatrice : Èmilie à la musique, Jil aux textes, tandem fusionnel, alter égales, notes et mots, arrangements tissés par elles deux dans le même idéal écrin. Il y a des basses qui vrombissent et des guitares acides, des choeurs en ressac et des battements de coeur, des mélodies gracieuses et des envolées poignantes, du velours et des épines, de la folk et du rock, de la country urbaine, qui font des chansons tenaces. Variété de couleurs, de nuances et de tessitures, ourlées de la voix pleine de ferveur dune Jil Caplan libre et intime. Avec Sur les cendres danser, Jil Caplan signe l'un de ses meilleurs albums, sans doute le plus beau et le plus personnel. Èlégance, émotion, énergie, poésie, tout ce qui lui ressemble. Tout ce qui nous rassemble.

Da Silva est fait du combustible des natifs des chapiteaux : conçu dans la poussière, il est devenu un homme en élevant son oeuvre à un degré de sophistication tel, qu'en 2022, son nom résonne comme une des signatures les plus prestigieuses de l'industrie musicale française. L'analogie avec le cirque ne s'arrête pas là : dans sa vie, Da Silva a tout sacrifié sur l'autel d'un seul fantasme, celui de la cristallisation de l'image de l'artiste, figé dans un idéal absolu, dans une noce éternelle. Il est difficile de parler de son 8e disque, Extrait d'une vie imparfaite, avec des mots simples, aussi difficile que de tenter de traduire la beauté complexe d'un visage. De ce visage sur la pochette par exemple, figeant du pinceau de Da Silva le rapport de l'artiste à lui-même et son rapport au public, à la fois solennels, distanciés et intimes, ou encore à l'intérieur du disque, de tous ces visages hilares et tourmentés, hommages du chanteur et peintre à chacun des titres du disque. Extrait d'une vie imparfaite est un cirque métaphysique, dont la musique est faite pour souligner la trivialité sublime de l'existence.

Danse encore : c'est un refus de l'immobile et de l'essoufflement. Le titre du neuvième album de Clarika traduit un geste d'obstination, un désir, le voeu de rester en mouvement. Danser encore, même si le sol tremble. Sans frein, danser au-dessus de l'anxiété générale et des petits tracas. Danser avec les figures familières, et les nouvelles. Faire valser nos intimes et en reconnaître la poésie, même simple, même inaperçue. Danser encore, c'est aussi, pour la chanteuse, ne pas se lover dans l'assise confortable qu'offrent trente ans de carrière. C'est poursuivre, oui, mais marquer la rupture : pour cet album et pour la première fois, Clarika a écrit et composé. C'est nouveau, et n'avait jamais été pour elle l'enjeu d'une nécessité. Jusqu'ici, elle avait préféré s'entourer de compositeurs de confiance (Jean- Jacques Nyssen, Fred Pallem...), dont elle avait tiré de fières collaborations. C'est venu presque sans crier gare : d'un essai l'envie, puis la frénésie, l'excitation, la joie d'apprendre et de créer avec de nouvelles armes. C'était soudain ouvrir des brèches dans l'univers connu. Cette ivresse, ce risque incertain, vacillant et furieusement libre. Clarika danse encore, suspendue au-dessus du vide. Les textes ont de cela, d'une persistance dans le chaos.