Créé en 2017, Princesses Leya est né de la rencontre entre Antoine Schoumsky et Dedo. Tous deux fans de métal, et cherchant à mélanger cette culture commune avec l'humour, ils s'associent pour former un duo antagoniste : Dedo incarne les clichés, réels, du métal (si si il y en a) et Antoine les clichés que les non-initiés propagent sans connaître. Cet album est un clin d'oil taquin à la surenchère des films de super héros actuels : dans le précédent opus, les Princesses devaient sauver une dimension remplie de gens fous, pour pouvoir revenir sur leur terre. Cette fois, les Princesses ne doivent pas sauver une dimension mais toutes les dimensions ! Comment ? Avec le métal bien sûr et cela pour la survie de leur Terre. Surenchère narrative ? Èvidemment ! Mais cette fois, moins de sketch et plus de musique. Fini les covers ! Que des compositions provenant de leurs tripoux. En gros, les Princesses viennent d'en finir avec l'acné, les ados attardés sont bien décidés à devenir des adultes immatures.

Fidèle à sa volonté d'être différent à chaque fois, après un album piano-voix, puis une ouverture vers une formule plus pop, il a privilégié une approche intimiste sous forme d'un trio : Marc Haussmann, un pianiste rencontré à Berlin qui l'accompagne désormais en tournée, Alice Animal, qu'il a découverte en la voyant chanter sur scène avec sa guitare électrique, et lui-même à la guitare sèche. La production a été confiée, comme pour le précédent album, à David Sztanke, qui fut le fondateur du groupe Tahiti Boy & The Palmtree Family et qui est parvenu à restituer la volonté initiale de simplicité tout en la parant de charmes pop. L'impression d'authenticité qui se dégage des onze chansons n'est pas due au hasard : elle est liée à ces choix d'enregistrement qui, en harmonie avec les conditions de conception, permettent d'apprécier à sa juste valeur cette voix chaude et chaleureuse, ces mélodies qui trottent dans la tête au fil des ballades et ces textes dont l'impact poétique se conjugue sur différents modes.

« Si possible heureux » est le 7e album studio des frères Ledoux. Un album chaleureux, moderne, pop et optimiste. Un album de copains aussi. ? l'image de la chanson titre, un duo avec la relève, Gauvain Sers, qui n'a pas oublié qu'avec Renaud, pour lui, il y avait eu aussi Blankass. Bijou pop délicieux déclinant vieillissement, accomplissement et plaisir. Autres copains de la bande : Stephan Eicher qui pose sa voix d'ancien punk (lui aussi) sur un texte se demandant à quel moment l'humanité a merdé « Un million », et Vianney. Fan de toujours, ce dernier offre son timbre si particulier à « Manqué », lignes imaginées par Guillaume après avoir vu un reportage sur deux frères biologiques séparés par la vie et qui se rencontrent pour la première fois. Des copains donc, une production analogique signée du sorcier Dave Eringa (Calogero, les Who, Daltrey en solo ou encore les légendaires Manic Street Preachers), mais plus que tout de grandes chansons. Le genre que la bande FM appelle des tubes : le groovy « Cet incident », l'énorme succès en puissance « Je sais que tu sais » bâti entre un beat électro, la poésie des couplets et un refrain accrocheur que vous garderez en tête même quand vos pieds seront usés d'avoir dansé. Un émouvant et totalement autobiographique hommage à leur ami Tignous, tombé sous les balles de la bêtise intégriste un jour de janvier chez Charlie, « Du papier, des crayons ». Enfin, à la fois axe central et clou du disque : « Enfants », une bouleversante balade piano-voix-cordes, très « Beatles », écrite en une traite, presque en transe, peu de temps après le début de la guerre en Ukraine.

Tout feu, tout bleu. S'il fallait dépeindre le nouvel album de Jil Caplan avec des couleurs, ce serait celles-là. Feu comme le brasier de la colère et l'incendie de la passion, bleu comme l'azur infini et les meurtrissures de l'âme. La braise et le blues, la flamme et le spleen. Il conviendrait aussi d'y ajouter sensualité et mélancolie, tournoyant dans un tourbillon d'émotions. Comme un soleil noir, aussi sombre qu'incandescent. Sur les cendres danser, pour retrouver la joie, l'envol, pour revivre tout simplement. Après la pop électro de Derrière la porte et le jazz manouche d'Imparfaite, ses précédents albums, Jil Caplan revient à ses éternelles amours, un retour aux sources qui l'ont toujours nourrie : le folk rock à guitares, les ballades charnelles, les harmonies subtiles, quelque part entre Paul McCartney et Jeff Buckley. Tout cela grâce à la magie d'une rencontre : celle dÈmilie Marsh, musicienne, compositrice, autrice et interprète, qui fut longtemps la guitariste et larrangeuse de la chanteuse Dani, prématurément disparue, mais dont l'esprit bienveillant plane sur le duo. Une complicité à l'ardeur créatrice : Èmilie à la musique, Jil aux textes, tandem fusionnel, alter égales, notes et mots, arrangements tissés par elles deux dans le même idéal écrin. Il y a des basses qui vrombissent et des guitares acides, des choeurs en ressac et des battements de coeur, des mélodies gracieuses et des envolées poignantes, du velours et des épines, de la folk et du rock, de la country urbaine, qui font des chansons tenaces. Variété de couleurs, de nuances et de tessitures, ourlées de la voix pleine de ferveur dune Jil Caplan libre et intime. Avec Sur les cendres danser, Jil Caplan signe l'un de ses meilleurs albums, sans doute le plus beau et le plus personnel. Èlégance, émotion, énergie, poésie, tout ce qui lui ressemble. Tout ce qui nous rassemble.

Da Silva est fait du combustible des natifs des chapiteaux : conçu dans la poussière, il est devenu un homme en élevant son oeuvre à un degré de sophistication tel, qu'en 2022, son nom résonne comme une des signatures les plus prestigieuses de l'industrie musicale française. L'analogie avec le cirque ne s'arrête pas là : dans sa vie, Da Silva a tout sacrifié sur l'autel d'un seul fantasme, celui de la cristallisation de l'image de l'artiste, figé dans un idéal absolu, dans une noce éternelle. Il est difficile de parler de son 8e disque, Extrait d'une vie imparfaite, avec des mots simples, aussi difficile que de tenter de traduire la beauté complexe d'un visage. De ce visage sur la pochette par exemple, figeant du pinceau de Da Silva le rapport de l'artiste à lui-même et son rapport au public, à la fois solennels, distanciés et intimes, ou encore à l'intérieur du disque, de tous ces visages hilares et tourmentés, hommages du chanteur et peintre à chacun des titres du disque. Extrait d'une vie imparfaite est un cirque métaphysique, dont la musique est faite pour souligner la trivialité sublime de l'existence.

Hildebrandt rencontre Lescop dans son nouvel album Will. C'est ensemble qu'ils réalisent cet album dessiné d'une ligne claire. Pour le présenter au plus grand nombre et annoncer le lancement de sa précommande, l'artiste dévoile le titre 'A part ça', qui fait partie de ces morceaux, à la légèreté de dandy, une élégance dansante pour souligner cette ironie : danser pour se moquer de nos trouilles.

Danse encore : c'est un refus de l'immobile et de l'essoufflement. Le titre du neuvième album de Clarika traduit un geste d'obstination, un désir, le voeu de rester en mouvement. Danser encore, même si le sol tremble. Sans frein, danser au-dessus de l'anxiété générale et des petits tracas. Danser avec les figures familières, et les nouvelles. Faire valser nos intimes et en reconnaître la poésie, même simple, même inaperçue. Danser encore, c'est aussi, pour la chanteuse, ne pas se lover dans l'assise confortable qu'offrent trente ans de carrière. C'est poursuivre, oui, mais marquer la rupture : pour cet album et pour la première fois, Clarika a écrit et composé. C'est nouveau, et n'avait jamais été pour elle l'enjeu d'une nécessité. Jusqu'ici, elle avait préféré s'entourer de compositeurs de confiance (Jean- Jacques Nyssen, Fred Pallem...), dont elle avait tiré de fières collaborations. C'est venu presque sans crier gare : d'un essai l'envie, puis la frénésie, l'excitation, la joie d'apprendre et de créer avec de nouvelles armes. C'était soudain ouvrir des brèches dans l'univers connu. Cette ivresse, ce risque incertain, vacillant et furieusement libre. Clarika danse encore, suspendue au-dessus du vide. Les textes ont de cela, d'une persistance dans le chaos.

Madame Robert pourrait tout aussi bien être le blaze d'une gironde patronne d'une petite maison close de Pigalle des années 50 que celui de votre voisine du 5ème, pas aimable pour deux ronds, qui vit avec ses trois matous angoras ou encore celui de votre professeure de maths, un peu retorse, en cinquième. Madame Robert c'est aussi une chanson de Nino Ferrer (tiens tiens). Madame Robert c'est désormais et avant tout le nom d'un orchestre de Rhythm & Blues généreux, tout droit sorti du Jukebox de ce troquet de quartier où vous alliez vous faire un babyfoot après les cours. On en ressortait en sentant le tabac mais on s'était bien marré quand même. Madame Robert, ce n'est pas une réunion de barbouzes (emmenés par Reuno de Lofofora, Stef ex bassiste de Parabellum) venus te taper ton flouze. On a plutôt à faire à un casting de cadors, venu te faire claquer des doigts, taper des pieds et mouiller la chemise. A l'ancienne. Quitte à défriser les rouflaquettes des caves, avec eux pas de nervous breakdown mais des nuits blanches à t'en faire oublier cette béchamel infernale qu'est la vie. Six ans après la sortie de son premier album, Madame Robert revient pour taper plus fort, d'abord pour son plaisir mais aussi pour rappeler aux caves que le Rhythm & Blues et la dérision ne sont pas morts. L'enregistrement à l'ancienne et sans trucage - tout a été fait en live, donnant ainsi aux dix titres de ce nouvel album cette chaleur et ce groove caractéristiques - s'est déroulé au Studio E, à Ecotay l'Olme, dans la Loire avec Bruno Preynat (Mickey3D, Kent, Parabellum). Sur la pochette, Divina Boom, égérie du groupe, reprend du service et endosse cette fois le tablier d'une patronne de bar comme on aimerait en voir bien plus souvent ! Madame Robert c'est Madame Robert, C'est pas Blanche-Neige ni Cendrillon !