Que dit le cinéma sur la naissance des oeuvres, celles des autres arts ou les siennes propres ? Que nous apprend le cinéma sur la relation du créateur à son oeuvre et sur les opérations de création ? Les études ici réunies cherchent à répondre à ces questions à travers des exemples comme La belle noiseuse (J. Rivette), Quatre jours à Ocoee (P. Ferrand), les films de F. Wiseman ou R. Rosselini.

Etude sur l'ambiguïté de ces débuts ou fins de films, où le texte s'associe à l'image, et où la représentation du mot s'allie à la représentation de la chose. Se limitant aux cinématographies française et anglo-saxonne, des années 1930 aux années 1990, l'étude propose de mettre à l'épreuve l'hypothèse d'un lien particulier entre générique et figure, d'en explorer les modalités et corollaires.

Monographie consacrée aux différentes facettes de l'oeuvre d'A. Varda, de sa pratique contemporaine du cinéma à sa transformation muséographique et à la photographie en tant que matrice cinématographique. Des lectures féministes et des recherches formelles sur la couleur, la musique et le style complètent l'ouvrage.

Essai consacré aux oeuvres cinématographiques de Godard, Duras, Depardon, Akerman, dans lesquelles ces auteurs tentent un autoportait.

Au coeur du cinéma japonais d'aujourd'hui, le questionnement des cadres esthétiques ne se déprend jamais d'une réflexion sur l'incertitude des cadres sociaux et identitaires. Etude d'un certain nombre d'oeuvres, de Takeshi Kitano à Shinji Aoyama, permettant une cartographie du cinéma japonais actuel et de ses enjeux.

En 1891, Lohengrin entre au répertoire de l'Opéra de Paris après 30 années de rejet des oeuvres de Richard Wagner sur les scènes lyriques parisiennes. Durant cette même année l'oeuvre avait pourtant été représentée à 104 reprises dans six autres villes françaises. L'auteur analyse la production wagnérienne dans les régions françaises à la fin du XIXe siècle et la fascination exercée par cet opéra. Electre 2015

Des artistes et des universitaires français et étrangers interrogent l'identité artistique du metteur en scène ainsi que l'évolution des processus de création, des métiers et des équipes, des collaborations et propositions artistiques, de la représentation et de la réception des spectacles aujourd'hui. ©Electre 2017

Un portrait du cinéaste retraçant sa filmographie et revisitant son oeuvre à travers les thèmes de la danse, du rapport au corps et de l'art de la représentation. ©Electre 2017

À notre époque, les nouvelles technologies contribuent largement à l'évolution des langages scéniques modifiant profondément les conditions de représentation et intensifiant toujours davantage les effets de présence et les effets de réel. Ces technologies sont souvent liées à l'émergence de nouvelles formes scéniques qui transgressent les limites des disciplines et se caractérisent par des spectacles à l'identité instable, mouvante, en perpétuelle redéfinition. Projections, installations interactives, environnements immersifs, spectacles sur la toile, les sens(ations) sont plus que jamais sollicité(e)s. Le performeur y est confronté à un Autre virtuel, à la fois personnage et partenaire. Quant au corps, charnel, physique, palpable, il constitue encore la trace incontestée de l'homme dans ces espaces où la déréalisation fait loi. Contrepoint d'une culture du virtuel, le corps semble rester au coeur des dispositifs (scénique, interactif, immersif). Quel(s) corps ces oeuvres convoquent-elles ? Comment ces dernières renouvellent-elles la dynamique entre performeurs, spectateurs et dispositifs ? Quelles sont les diverses modalités d'interpénétration entre le virtuel et le réel dans ces formes d'art ? Voilà autant de questions auxquelles ce livre tente de répondre. Celles-ci sont le résultat de plusieurs années de recherche consacrées aux effets de présence et aux effets de réel. C'est le résultat de ces explorations effectuées par l'équipe de recherche "Performativité et effets de présence" de l'université du Québec à Montréal (sous la direction de Josette Féral et Louise Poissant), que le lecteur pourra trouver dans ce premier volume consacré au corps. Body Remix reprend le titre du spectacle de la chorégraphe Marie Chouinard présenté en 2005.

Cette étude est consacrée au théâtre britannique des années 1990, un théâtre d'avant-garde incarné par des figures emblématiques comme Sarah Kane, Mark Ravenhil et Anthony Neilson.

Les théâtres de société désignent des représentations données dans des lieux ou des espaces sociaux non initialement prévus à cette fin, comme par exemple le théâtre d'appartement ou celui de plein air. Soulignant la richesse de ces pratiques, cet ouvrage pluridisciplinaire examine leur identité, leurs limites et leurs enjeux dans leurs dimensions dramaturgiques, matérielles et sociales. ©Electre 2020

Cet ouvrage dresse un état international des recherches menées sur ce genre cinématographique jusqu'ici peu étudié, hybride mais prolifique, au croisement de l'histoire de l'art et du cinéma documentaire : le film sur l'art. Montrer l'artiste au travail, présenter la biographie d'un artiste disparu, sa vie intérieure, son oeuvre, entrer dans la logique de celle-ci pour en déplier la thématique ou les narrations qu'elle contient, analyser sa construction formelle, aborder une période ou suivre des évolutions stylistiques : ce sont autant de démarches qui peuvent unir, selon des modalités diverses, un cinéaste et un artiste ou un cinéaste et un historien de l’art (Diehl, Schmidt, Cassou, Huyghe, Sweeney...) – quand l'historien de l'art ne se fait pas tout simplement cinéaste (Haesaerts, Ragghianti). C'est que, de Warburg à Panofsky, de Focillon à Elie Faure et à Malraux, de Longhi à Francastel et Damisch, nombreux sont les historiens de l'art qui se sont préoccupés de ce que le cinéma pouvait apporter à leur discipline, tant au plan de la simple documentation que du modèle de perception qu'il engage par le découpage – les détails, les changements d'échelles –, le montage, la mise en mouvement et la projection par transparence. Quel bilan tirer de cette riche histoire du film sur l'art devenue quelque peu opaque (où sont ces films ? comment les voir ?) et que comprendre de l'histoire de ces productions qui, d'abord rattachées au documentaire, voire au cinéma pédagogique, ont ensuite trouvé une autonomie au sein du genre «film sur l'art» ? Quels liens furent noués entre historiens de l'art, critiques d'art et réalisateurs ? Quel apport à l'histoire de l'art cette production représente-t-elle ? Comment l'histoire de l'art et ses applications dans différents médias circulent-elles dans ces films, et quel effet cet intérêt pour l'art a-t-il pu produire

Etude de la dimension technologique du cinéma sous un angle historique, théorique, esthétique et épistémologique, des premiers kaléidoscopes aux retouches numériques en passant par l'avènement de la couleur et du parlant ou encore l'expérience du cinéma odorant. Electre 2015

L'usage de plus en plus fréquent des effets spéciaux numériques dans le cadre de certaines productions cinématographiques contemporaines et leur intégration de plus en plus invisible au sein de plans filmés en prises de vues réelles, contribuent progressivement à une abolition de la frontière entre le graphique et le photographique au cinéma. Mais en définitive, cette frontière existe-t-elle réellement ? Est-elle déterminable ontologiquement ou n'est-elle qu'une construction socio-culturelle ? S'explique-t-elle esthétiquement, ou repose-t-elle avant tout sur des acquis théoriques ? Puise-t-elle son origine au cur des techniques de prise de vues, ou plutôt au sein des discours qui ont entouré ces techniques ? Autant de questions auxquelles cet ouvrage apporte des éléments de réponse, en abordant, du cinéma des premiers temps à nos jours, une catégorie filmique bien particulière, reposant sur l'entremêlement ou encore la rencontre entre personnages de dessins animés et acteurs réels.

Cinéma et peinture, cinéma et musique, cinéma et architecture... La peinture s'est longtemps définie par sa capacité sans égale à ressembler et, quand la photo a semblé lui ravir ce privilège, à regarder ou, plutôt, à montrer le travail du regard. C'est ainsi la rencontre entre peinture et photo qui a permis d'enrichir leurs territoires respectifs. De même, les théoriciens et les prescripteurs du cinéma ont tour à tour revendiqué des fonctions inspirées par (ou contre) d'autres arts. La musique, par exemple, peine un peu à " ressembler " mais elle a une étonnante aptitude à s'infiltrer dans toutes les fonctions prêtées aux arts. L'architecture, après son évidente fonction utilitaire, semble avoir de faibles taux de ressemblance et de référence, mais elle témoigne souvent d'une forte intention, d'un geste créateur qui s'affirme. Et ainsi de suite... Toutes ces rencontres méritaient bien un colloque dans un des lieux les plus propices qui soient : Urbino. On y visite la maison natale de Raphaël. On y a trituré de nombreux films pour essayer d'éclairer un peu plus les relations entre le cinéma et les autres arts. Car il faut se féliciter, après Bazin, de ce que le cinéma est non seulement " impur " mais surtout merveilleusement accueillant.

A partir de Belle de Jour en 1967, Luis Bunuel quitta définitivement le cinéma mexicain pour tourner en France et, parfois, en Espagne. L'étude de ce film et des cinq autres qui suivirent - La voie lactée (1969), Tristana (1970), Le charme discret de la bourgeoisie (1972), Le fantôme de la liberté (1974), Cet obscur objet du désir (1977) -, comparés aux premiers opus surréalistes et aux oeuvres mexicaines, permet de voir comment les lieux et les conditions de production ont déterminé l'expression artistique du cinéaste. Parmi les caractéristiques uniques qui justifient la constitution du corpus, ces films manifestent une écriture aux nombreuses références intertextuelles qui situent la poétique bunuelienne entre culture française et culture espagnole, et qui, associées à des rêves et d'autres récits secondaires, constituent des espaces filmiques complexes et paraissent proposer au spectateur de rechercher une vérité à tout jamais insaisissable. Les aspects testamentaires de ces dernières oeuvres sont une autre caractéristique. Au-delà d'une simple position rétrospective et syncrétique qui apprécie ces films par rapport à l'ensemble de la filmographie, cette composante testamentaire, mise en relation avec les autres particularités de la période, semble bien indiquer l'aboutissement d'une pensée cinématographique.

Cette publication revient sur l'histoire du cinéma populaire français d'avant la Nouvelle Vague, des années 1930 à la fin des années 1950.

Parcours visant à cerner ce que J.-L. Godard appelait l'idée de comédie musicale. Dépassant la simple relecture des codes du genre, ces articles s'attachent à analyser une grande variété d'oeuvres telles que Short Cuts, Gremlins 2 ou encore le cinéma de Max Ophuls ou de Tsai Ming-Liang.