Une étude d'un siècle et demi d'imaginaire occidental ayant pour thème le retour des morts. A travers la généalogie de la verticalité présentée comme une menace, l'auteur, qui enseigne la littérature et civilisation américaines à l'Université d'Angers, examine les fondements de la peur des XIXe et XXe siècles.

Shining est l'unique film d'horreur de Stanley Kubrick. Il aura d'abord déçu les amateurs et décontenancé la plupart des spectateurs puis bénéficié d'une progressive réévaluation jusqu'à devenir une référence majeure. Désorientant ses premiers commentateurs, sa sublime énigmaticité a suscité une puissante et longue vague proliférante d'interprétations, jusqu'aux plus délirantes. Parmi celles-ci deux ont acquis force d'évidence. Soit l'hôtel Overlook et son labyrinthe sont envisagés comme un lieu mythologique, voire métaphysique - la réplique d'un autre lieu cérébral et confiné : le vaisseau Discovery de 2001 : l'odyssée de l'espace. Soit l'hôtel Overlook, fondé sur un cimetière indien, est considéré comme un reflet des États-Unis. Le livre cherche à expliquer Shining au miroir de ses transpositions (les roman et téléfilm de Stephen King, les trois versions du film de Kubrick), de sa genèse (reconstituée grâce aux témoignages comme aux documents conservés aux Archives Stanley Kubrick), de sa réception (les principales propositions interprétatives engagées des deux côtés de l'Atlantique). En s'appuyant sur une riche iconographie, il revient sur les conditions dans lesquelles certaines interprétations ont pu germer et convaincre, et comment d'autres, délirantes dans leur construction, s'ancrent dans le repérage de détails triviaux (des boîtes de conserve, une machine à écrire, un pull-over) qui finissent par devenir étranges à force de surdétermination. La voie choisie pour rendre compte de la complexité de cette œuvre magistrale sera bien celle de la surinterprétation.

Les redneck movies représentent tout un pan du cinéma d'exploitation américain, qui s'étend du milieu des années 1960 jusqu'au début des 1980 et qui se poursuit encore aujourd'hui de façon plus diffuse, dans le cinéma de Rob Zombie par exemple. Le genre gagnera ses lettres de noblesse au début des années 1970 avec Délivrance (1971) de John Boorman ou Massacre à la tronçonneuse (1974) de Tobe Hooper, et envahira littéralement le cinéma et même les écrans de télévision américains, au point que l on parle de la « hicksploitation », « hick » voulant dire péquenaud. Deux courants principaux dans cette tradition cinématographique. Un premier courant présente soit des citadins trop sûrs d eux confrontés aux mSurs et aux manières primitives de la campagne, un univers violent de survie et de pauvreté, où tous les instincts les plus refoulés et brutaux émergent, soit la peinture d un univers inquiétant et dégénéré en dehors des lois et des normes citadines. L'autre tendance est moins sombre et plus populaire, avec des bons gars de la campagne, revendant de l alcool de contrebande, poursuivis par des shérifs niais et des hordes de malfrats.L'ouvrage est très richement illustré et enrichi d'entretiens (avec John Boorman, Tobe Hooper, Jeff Lieberman&).

Il y a dans le cinéma de Terrence Malick un peu plus que du cinéma. C'est à ce supplément que Philippe Fraisse consacre son essai richement illustré. Les films de Malick, depuis La Balade sauvage, La Ligne rouge jusqu'à Knight of Cups, en passant par Les Moissons du ciel, La Ligne rouge, Le Nouveau Monde, Tree of Life, À la merveille, offrent un imagier bruissant de voix chuchotantes qui invite à la méditation et à une expérience intérieure. Dans le vacarme des sociétés de contrôle médiatique pareille œuvre est source de contresens. Malick est travesti en propagandiste du christianisme alors qu'il parle d'anges, d'amour et de théophanie. S'il est aussi qualifié de poète pastoral, c'est parce qu'il filme la nature en saisissant une lumière qui est la manifestation d'une lumière invisible, celle de l'esprit. Jamais chez ce cinéaste ce qui est donné à voir ne relève du spectacle, posé devant nous comme artifice à consommer. Il cherche les images-états, les images-perceptions qui effacent la distance du sujet à l'objet afin d'ouvrir un espace qui n'est plus de contrôle ou de représentation mais de présence. Puisse son cinéma, contre toute certitude, irriguer à nouveau les lits des rivières asséchées, et rendre à nos vies les symboles dont nos vies se nourrissent.

Une réflexion philosophique sur la nature et la fonction de la police dans la société. Explorant sa représentation dans la fiction et dans la culture populaire, l'auteur évoque les différentes facettes de la maréchaussée : maintien de l'ordre, protection des citoyens, nécessité du libéralisme, milice du souverain ou encore violence officielle. ©Electre 2017

Sorti en 2008, Martyrs est un film coup de poing, à la violence sèche, une fiction d'horreur « totale » (torture porn, cyberpunk, rape and revenge, film de fantôme…) qui, après une campagne virulente menée par des détracteurs, a failli être interdit aux moins de 18 ans. Le temps a fait son office, et le long métrage de Pascal Laugier est désormais considéré comme un joyau noir de la production de genre française. Frédéric Astruc dégage ce qui fait la force de Martyrs, entre héritages visibles et enjeux inédits. Écrin mortuaire abritant un chaos de scènes archaïques qui révèlent notre monde à la manière d'un rayon de ténèbres, cauchemar sans fin et sans issue qui horrifie autant qu'il fascine, le film livre une expérience rare, très physique, semblable à un trip ou un shoot mais sans contrepartie toxique. Si les images sont « obsédées » par certaines images d'archives, jouent avec les représentations biaisées d'une société bien-pensante et néolibérale, elles portent surtout en elles une puissance transgressive, jamais complaisante, qui plonge le spectateur dans un inconfort essentiel. Aux analyses, Frédéric Astruc adjoint un long entretien réalisé avec Pascal Laugier qui revient sur l'élaboration à part qu'a constituée Martyrs, qui raconte comment il est parvenu à aller au bout de son propos, aussi radical soit-il. Le film apparaît ainsi comme la pierre angulaire du travail du cinéaste, l'expérience matricielle à partir de laquelle tout se déploie.

Midi-Minuit fantastique, revue de cinéma fondée en 1962 par Michel Caen, Alain Le Bris, Jean-Claude Romer et Jean Boullet, a cessé de paraître en 1971. Ce volume rassemble les numéros 7 à 11, dont le célèbre numéro 8 sur le thème de l'érotisme et de l'épouvante dans le cinéma anglais. Le DVD rassemble cinq courts-métrages des années 1960 ainsi que des bonus. ©Electre 2016

Cet ouvrage propose une analyse de la série télévisée The walking dead, notamment de l'impact de l'apparition des zombies sur la vie des hommes et leur entrée dans un monde post-apocalyptique où la survie prédomine. Il aborde également la possibilité que ces événements se produisent réellement. ©Electre 2016

Les séries télévisées sont-elles devenues le nouveau site du rêve ' Ont-elles remplacé le cinéma comme « usine à rêves » ' Sur les forums Internet, on débat des épisodes qui mettent en scène les « meilleurs » rêves, comme si la télévision avait surpassé le cinéma dans sa capacité à figurer l'expérience onirique. Que ce soit dans une série de gangsters comme Les Soprano, une série de science-fiction comme Battlestar Galactica, une série de vampires comme Buffy ou des séries policières comme Twin Peaks, Awake et Hannibal, sans compter LOST et Six Feet Under, le rêve est le ressort narratif par lequel la fiction se déploie, se ressource et se remet en question. Cet ouvrage, abondamment illustré, se propose d'explorer l'interaction entre le rêve et les séries américaines contemporaines.

En 1999, Le Projet Blair Witch sort sur les écrans et les réalisateurs Daniel Myrick et Eduardo Sanchez lancent la mode du film faussement amateur, retraçant pas à pas la disparition d'un groupe d'apprentis cinéastes. En une décennie, le found footage se constitue en genre à part entière et offre au cinéma fantastique et horrifique quelques-uns de ses plus grands succès, dont la saga Paranormal Activity, Chronicle, Diary of the Dead, [REC], avant de s'essouffler et de quasiment disparaître. Feu de paille ou laboratoire d'une révolution cinématographique ' Ce livre examine le found footage comme forme hybride, au croisement entre réalité et fiction, pauvreté des moyens et ingéniosité des dispositifs, expérimentation et tentation mercantiliste. En exhibant la technologie de filmage, le found footage n'aspire-t-il pas en définitive à montrer ce qui demeure habituellement invisible : l'acte de voir lui-même ' S'envisage donc ici la manière dont les cinémas fantastique et d'horreur, par le biais de caméras dévoilées à l'écran, retrouvent leurs racines les plus profondes, à savoir imager la terreur. À ceci près que les monstres et les fantômes ne se tiennent plus devant la caméra mais dans l'œil même de son objectif.

Le torture porn désigne depuis les années 2000 un sous-genre du cinéma d'horreur et d'exploitation apparu depuis longtemps déjà. Il s'agit d'histoires où des victimes sont soumises à toutes sortes de brutalités et autres atrocités dont l'issue leur sera généralement fatale. Vilipendé par la critique mais commercialement fructueux (voir la franchise Saw, le succès des Hostel...), le torture porn a relancé le débat sur la prétendue nocivité du cinéma d'horreur. Considéré comme le véhicule des pulsions sadiques et misogynes de ses auteurs et de son public, il demeure trop méprisé pour avoir fait l'objet d'une étude objective et approfondie dans notre pays. Cet ouvrage propose d'explorer les enjeux et les thèmes du sous-genre. Il remet ainsi en cause certains principes du féminisme radical et d'une pensée politiquement correcte qui tendent à l'aseptisation du cinéma horrifique. Le torture porn, héritier d'une tradition subversive du cinéma d'exploitation, y est envisagé comme le vecteur d'une sensibilité postmoderne empreinte de scepticisme envers les valeurs morales, politiques et culturelles en vigueur. Il questionne la validité du modèle patriarcal et redéfinit les enjeux de la féminité en offrant de mémorables portraits de femmes violentes et en dépeignant une masculinité en crise. Lieu de l'instabilité, de l'incertitude et de la déconstruction (des corps comme des concepts), le torture porn se dérobe aux notions établies de bien et de mal, de conservatisme et de progressisme, de haute culture et de sous-culture, pour jongler avec les paradoxes et les diversités. Il restitue au cinéma d'horreur sa force brute de questionnement et ses vertus d'inconfort.

Portrait de l'acteur de comédie. De ses débuts à la télévision jusqu'à ses derniers succès, l'ouvrage montre comment les transformations de son corps et de sa voix influent sur la forme du film mais aussi comment un visage unique se révèle derrière ces multiples incarnations, formulant la synthèse d'un jeu défiant les normes. ©Electre 2016

Parcours de l'oeuvre du réalisateur japonais, de Nausicäa de la vallée du vent à Le vent se lève, pour découvrir ses thèmes d'inspiration, les particularités de ses personnages, son recours au merveilleux ou encore son rapport au réel. ©Electre 2018

Midi-Minuit fantastique, revue de cinéma fondée en 1962 par Michel Caen, Alain Le Bris, Jean-Claude Romer et Jean Boullet, a cessé de paraître en 1971. Ce volume inaugure l'intégrale et rassemble les huit premiers numéros de la revue.

Le réalisateur de films d'horreur évoque sa vie privée, sa rencontre avec un fantôme, ses parcours artistiques, ses débuts dans la critique de cinéma. Il évoque ses relations avec S. Leone, B. Bertolucci, son goût pour les films de F. Lang, A. Hitchcock ou la Nouvelle Vague. Il fait également le récit de sa plongée dans le cinéma de genre, notamment le giallo dont il a renouvelé les codes. ©Electre 2018

Ces entretiens révèlent un réalisateur acteur et cinéphile, fasciné par la peinture et la musique, passionné de philosophie. Au fil des propos, il questionne la forme, repère des motifs récurrents et variés de son geste créateur. Il évoque son prochain long métrage, Mademoiselle de Joncquières, en cours de tournage. ©Electre 2017

Essai comparé sur deux adaptations cinématographiques d'une nouvelle d'Ernest Hemingway : Les Tueurs, de R. Siodmak en 1946, et A bout portant de Don Siegel en 1964. L'auteur étudie l'évolution du film noir américain et la permanence de ses motifs. Il met ainsi en perspective deux époques distinctes du cinéma, tout en analysant les différentes variantes du texte original.