Cité dans toutes les histoires de la musique comme un important compositeur, nommé comme l'un des créateurs du madrigal italien, connu principalement par le madrigal Il bianco e dolce cigno, et surtout par l'Ave Maria (un faux !) que chantent toutes les chorales d'amateurs depuis l'époque romantique, Jacques Arcadelt n'a pas encore pris la place qu'il mérite dans le monde musical contemporain. Il fut au service des Médicis, de la papauté et des rois de France ; peut-on imaginer un palmarès plus prestigieux ? Les sessions d'enregistrement de ce coffret furent l'occasion de véritables chocs émotionnels ; là, nous avions la certitude que Jacques Arcadelt était un véritable génie et que l'on pouvait si facilement comprendre pourquoi il était apparu à ses contemporains comme un compositeur exceptionnel. (Electre)

Le 23 mars 1783 a lieu à Vienne un important concert qui a joué un rôle considérable dans la réputation de Mozart dans la capitale impériale où il réside depuis 1781. Il est évident qu'il veut se faire entendre à la fois dans ce qu'il a composé avant 1781, mais aussi dans ses oeuvres les plus récentes. Au répertoire de Salzbourg, il emprunte la Symphonie Haffner. Il y ajoute aussi le long mouvement concertant pour instruments à vent de la Posthorn serenade. On y trouve deux concertos de pianos (un de Salzbourg, et le dernier en date, composé sans doute pour la circonstance), plusieurs airs extraits d'opéras anciens (Lucio Silla, Idomeneo) ou à nouveau, récemment écrits. Si il joue ses concertos, il improvise aussi des variations de piano et même une fugue (parce que l'empereur assistait)... Un concert historique à redécouvrir, comme si on y était ! (Electre) (Electre)

Après le succès de l'album consacré à Francesco Cavalli, Cappella Mediterranea revient avec un programme entièrement dédié aux oeuvres à voce sola de Claudio Monteverdi, du célèbre Lamento d'Arianna au sublime et bien moins connu Voglio da vita uscir. Mariana Flores incarne dans ce programme, les personnalités les plus touchantes de l'oeuvre de Monteverdi. (Electre)

L'ouverture du Théâtre de San Cassiano à Venise en 1637 est l'un des événements majeurs de l'histoire de l'opéra. On quitte les cercles privés de cours aristocratiques et ecclésiastiques et l'opéra devient un spectacle populaire ouvert à tous. Les Dieux ne sont plus les seuls à faire la loi, ils sont concurrencés par les Vices et les Vertus qui font la morale dans les Prologues. Les héros sont roi, impératrice, dictateur, courtisane, mais aussi nourrice, valet, soldat, philosophe, et surtout amants et amantes. C'est à ce théâtre humain que nous convient ces opéras, un théâtre qui se joue entre le comique et le tragique. Francesco Cavalli, avec ses vingt-sept opéras conservés, nous offre une version passionnante de ce théâtre de la vie. Un seul fil conducteur réunit les extraits puisés par Leonardo Garcia Alarcon dans chacun d'entre eux : l'expression des passions humaines. Un programme passionnant qui constitue un apport nouveau dans la connaissance des opéras de Cavalli et qui permet de dévoiler une partie du mystère qui entoure encore ses oeuvres.

Cette oeuvre est le premier opéra joué dans les Pays-Bas du Sud. Il fut créé à Bruxelles le 24 février 1650 à l'occasion des festivités du mariage de Philippe IV d'Espagne avec Maria-Anna d'Autriche. On sait que le spectacle fut rejoué en 1655 à la demande de la reine Christine de Suède. Gioseffo Zamponi est vraisemblablement d'origine romaine et sa date de naissance est située entre 1610 et 1620. (Electre)

La Passion selon Saint Jean d'Alessandro Scarlatti est la première Passion écrite en Italie au XVIIe siècle. Scarlatti traite le rôle de l'Èvangéliste (un registre de mezzo soprano) d'une façon très particulière, accordant à son récit de nombreux accents émouvants. La voix du Christ (basse) est constamment auréolée d'un accompagnement de cordes. La version proposée par Leonardo García Alarcón intercale des méditations confiées au choeur ; celles-ci proviennent des répons pour la Semaine Sainte, compositions polyphoniques qui révèlent un genre très peu connu pratiqué par ce compositeur.

Dans le coffret qui avait révélé limmense personnalité de jacques arcadelt il manquait lune de ses messes. Voici donc ce complément indispensable. Le choix de leonardo garcia alarcon sest porté sur la missa noe noe qui est présentée ici dans le contexte de la liturgie de noël. A cette messe sont joints des motets du maître namurois, mais aussi du modèle absolu que représente josquin desprez pour les musiciens de sa génération. Et, en apothéose du programme, limposant benedicta es coelorum regina à six voix de josquin dans sa version augmentée à 12 voix par jean guyot de châtelet, un autre compositeur wallon à découvrir !.

Dans l'Europe de la première moitié du XVIIe siècle, la musique instrumentale devient source d'expérimentations sonores et expressives. Influencés par la rhétorique vocale, les compositeurs cherchent à remplacer les mots par un langage musical nouveau. La virtuosité des instrumentistes se développe, l'invention, l'improvisation et la recherche de sonorités étonnantes aussi. Tout comme l'orgue ou le clavecin, le violon est l'instrument roi pour expérimenter ces nouvelles techniques. Les musiciens italiens et germaniques des XVIIe et XVIIIe siècles comme Farina, Schmelzer, Mealli, Buxtehude, Biber, Pisendel et Bach redoublent d'imagination...

Semele est un chef-d'oeuvre. Car comment appeler autrement un drame dont la parfaite communion du texte et de la musique offre un tel pouvoir de suggestion ? "Tenir l'esprit, les oreilles et les yeux dans un égal enchantement" : cette recommandation de La Bruyère (Caractères : Les ouvrages de l'esprit) visait le "théâtre en machines" si adulé du public à l'époque baroque. Mais même sans machineries ni même sans décors, ni réelle mise en scène, l'oratorio de Handel nous associe avec une totale efficacité au destin tragique de son héroïne.

Samson est un véritable drame psychologique en trois actes qui dépeint la lente résurrection mentale d'un homme élu de Dieu qui, abattu par les remords, se reconstruit peu à peu. La conscience de son erreur le nourrit et l'aide à concevoir un décisif retournement de situation. Enchaîné et privé à tout jamais de ses yeux, Samson est peu à peu certain de son pouvoir. Pour libérer Israël, il va regagner la clémence de Dieu et anéantira d'un seul coup le peuple de ses geôliers.

A l'apogée de la Renaissance, l'oeuvre de Roland de Lassus associe fréquemment l'émotion de la musique profane aux compositions sacrées. Avec leurs connotations érotiques, les textes du Cantique des Cantiques sont une source idéale pour réunir les sentiments sacrés et profanes. C'est au départ de sa plus célèbre chanson que Roland de Lassus écrit l'une de ses messes unitaires Suzanne un jour et avec le magnificat qu'il écrit sur le madrigal Ancor che col partire de De Rore. Sont réunies ici deux compositions religieuses dont les thèmes sont empruntés à des évocations de troubles amoureux. (Electre)

Après ses succès dans le domaine de la musique religieuse baroque allemande, Vox Luminis propose ici le premier enregistrement intégral des motets des ancêtres de Johann Sebastian Bach. Ces motets, dont la plupart sont écrits à double choeur, associent à l'ancienne tradition héritée de la polyphonie de la Renaissance un travail expressif inspiré des modes du madrigal. Les mélodies de choral qui sont très fréquemment associées à ces motets leur apportent cette couleur typique du répertoire liturgique luthérien. C'est en grande partie dans sa tradition familiale que Johann Sebastian Bach a puisé pour aborder ce genre et maîtriser cette écriture, archaïque pour son temps. La proximité entre ses compositions et celles de ses ancêtres est confondante, et ce n'est pas sans raison que le motet Ich lasse nicht nicht est attribué tantôt à Johann Sebastian, tantôt à son oncle Johann Christoph. Mais au delà de ces considérations historiques, ces motets sont empreints d'une émotion touchante, humble et profonde que le talent des chanteurs de Vox Luminis porte au niveau exceptionnel auquel l'ensemble nous a habitué ! (Electre)

"Sigismondo d'India a un "jumeau", un "miroir" en musique : Claudio Monteverdi. Tous deux ont développé, de manière parallèle, un style qui a bouleversé l'histoire de la musique. Si celui-ci est hérité de compositeurs tels que Luca Marenzio ou Carlo Gesualdo, d'India et Monteverdi vont le transformer grâce à la création de nouvelles techniques, théorisées par ce dernier en 1638 sous le nom de seconda pratica et qui consistent à enfreindre les règles du contrepoint pour exprimer une émotion exacerbée. C'est pour cela que j'aime qualifier de "maniériste" le style de Sigismondo d'India, non pas au sens de "maniéré" comme on peut parfois le confondre en français, mais pour souligner à quel point des musiciens comme lui et Claudio Monteverdi assurent la transition entre la Renaissance et le Baroque. ? l'instar des artistes du disegno de cette époque, qui exacerbent le geste et la forme de la figure de la Renaissance, comme Michelangelo Buonarroti dans sa chapelle Sixtine, Sigismondo d'India nous rappelle à un langage, fruit de la réélaboration sophistiquée d'un héritage." Leonardo Garcia Alarcon