Michaël Borremans, Luc Tuymans et Jan Van Imschoot prolongent une route très belge, initiée par René Magritte et développée ensuite par Marcel Broodthaers, celle d'un scepticisme pictural et paradoxal: malgré le rétablissement de l'image et de la peinture par ces peintres belges après sa damnation dans les années 1970, l'image n'est pas là pour inspirer confiance. En complément de cet entretien inédit qui les réunit pour la première fois, ce volume contient des textes consacrés à Tuymans et Borremans publiés dans artpress, ainsi qu'un texte inédit sur Van Imschoot.

Un recueil d'entretiens de vidéastes parus dans la revue Art Press dans la décennie 2010. L'évolution de cet art est sous-tendu par une remise en cause de la hiérarchisation entre l'image et le son, ainsi que par un questionnement paradoxal sur l'hégémonie du visuel. ©Electre 2021

Épicentre de la contre-culture américaine, la côte Ouest des États-Unis s'est affirmée, dès les années 1960, comme un lieu propice à l'expérimentation riche et fertile de nombreux médiums. Tournant le dos à une mythologie de carton-pâte hollywoodienne, une scène multiforme, aux accents parfois violents, souvent sarcastiques et parodiques s'est développée dans le sillage de prestigieux instituts d'art, où l'on étudiait le cinéma expérimental et la performance. Toutes les composantes de l'art des années 1980 et 1990 sont représentées par les cinq artistes réunis dans ce volume : body art autodestructeur (Chris Burden), assemblage mêlant objets et peintures dans un joyeux désordre bariolé (Richard Jackson), performances irrévérencieuses et sculptures gonflables de corps humains grotesques et hyper sexualisés signifiant le côté sombre du rêve américain (Paul McCarthy), installations vidéo sonores nourries de psychanalyse (Mike Kelley), peintures volontairement plates, jouant avec les images et les mots dans une approche conceptuelle (Edward Ruscha). Cette multiplicité a contribué à la renommée internationale de la scène californienne et à l'imposer au même titre que sa rivale new-yorkaise.

Que furent les années 1980 à New York ? Elles sont les années de Jean-Michel Basquiat et de Keith Haring, elles ont vu émerger la culture du rap, désormais planétaire, les questions sociétales, avec l'épidémie de sida, et, surtout, en matière artistique, elles ont vu la peinture se renouveler entièrement, et pas seulement à New York, le développement de la performance et l'hybridation des disciplines artistiques. Ces entretiens, réalisés pour la plupart à la fin de cette riche décennie, lorsque ces artistes ont acquis leur pleine maturité, permettent de se rendre compte de ce qu'elles furent. Tous — Julian Schnabel, David Salle, Neil Jenney, Robert Longo, David Hammons, Eric Fischl, Felix Gonzalez-Torres, Matthew Barney et Richard Prince – sont des monstres sacrés dont les œuvres occupent encore le devant de la scène, près de trente ans après l'enregistrement de ces entretiens. Les lire, c'est non seulement se replonger dans ces années d'intense création, mais c'est aussi comprendre en quoi ces artistes nous permettent de comprendre l'art actuel.

Recueil d'interviews, publiées à l'origine dans la revue Art press, de différentes personnalités plus ou moins proches du pop art, courant artistique majeur de la seconde moitié du XXe siècle : Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Larry Rivers, etc. ©Electre 2021

Héritiers de l'abstraction américaine des années d'après-guerre dont ils radicalisèrent les propositions formelles, mais attentifs aussi à l'avant-garde russe du début du 20è siècle, Carl Andre, Donald Judd, Sol LeWitt et Robert Morris, s'ils ne s'en tenaient pas à une stricte géométrie, proposaient néanmoins des formes simples, non expressives, impersonnelles. Leurs œuvres de très grands formats envahissent l'espace, plaçant le visiteur de l'exposition dans l'obligation de les parcourir physiquement. Certains s'attachèrent à mettre en évidence les qualités et les propriétés des matériaux – le feutre et l'acier – et le terme d'« objets spécifiques » fut créé pour désigner des œuvres qui n'appartenaient ni à la catégorie de la sculpture, ni à celle de la peinture. Dans tous les cas, c'est l'autonomie de l'œuvre qui est revendiquée.

Série d'entretiens avec des performeurs et performeuses d'art contemporain, qui expliquent leur conception de cette forme particulière d'expression. Ayant utilisé des médiums plus conventionnels, certains expliquent la libération que constitue la performance. D'autres préfèrent parler d'action ou d'intervention. Avec notamment Marina Abramovic, Joan Jonas, Orlan et Valie export. ©Electre 2021