Chorégraphe et danseur de la compagnie Salia nï Seydou, directeur artistique de différentes manifestations au Burkina Faso, Salia Sanou présente la danse créative africaine, ses pionniers et la jeune génération.

Fait revivre l'art du ballet, à son apogée en France sous Louis XIV, par l'analyse de sources originales manuscrites, imprimées et iconographiques. Examine cet art en le situant dans le contexte des représentations et en évoquant les incidences politiques, les livrets, la musique et les artisans. Analyse sa thématique et ses composantes et montre comment il reflétait les aspirations de son temps.

Apparues aux États-Unis, ouvertes à toutes les influences, les danses jazz portent depuis toujours les traits de la mixité : de Joséphine Baker à Matt Mattox en passant par les étonnantes performances rythmiques et acrobatiques des Nicholas Brothers, l'élégance décontractée d'un Fred Astaire, la technique sophistiquée d'un Jack Cole ou l'expressivité d'un Alvin Ailey, elles se sont imposées dans le champ artistique du xxe siècle. Se pencher sur le jazz, c'est observer un art du présent, ouvert à tous les mouvements possibles, hybride dans ses techniques, éclectique dans son inspiration, mélangeant les temps, les lieux, les espaces. Sous-tendu par la question des échanges interculturels et du métissage, cet ouvrage mêle des approches historique et esthétique. Il propose un voyage à la découverte de contextes, d'artistes, d'œuvres susceptibles d'éclairer les cheminements du corps. Il s'agit de considérer les regards, les imaginaires, les fantasmes et les projections qui alimentent les discours critiques portés sur celui-ci, sans oublier les codes qui définissent une appartenance, une manière de vivre et de sentir. L'ambition de ce livre est de donner des repères, des perspectives et quelques jalons esthétiques, de corriger aussi certaines idées toutes faites, en contribuant ainsi à une meilleure compréhension des différents visages de la plus populaire des danses savantes ou de la plus savante des danses populaires : la danse jazz.

Troisième volume d'une série de cahiers pédagogiques sur la danse et le handicap, cet ouvrage a pour objectif d'accompagner les enseignants et les professionnels de la danse dans une démarche d'accessibilité pour les personnes sourdes et malentendantes : accès aux oeuvres, au patrimoine chorégraphique, à la pratique de la danse dans toute sa diversité. Mémento pratique nourri de l'expérience d'acteurs du milieu chorégraphique, il présente des approches pédagogiques adaptées, des savoir-faire, des exemples de bonnes pratiques, des organismes ressources et des publications de référence. Il sera un outil précieux pour tous les professionnels impliqués dans la mise en oeuvre de la loi du 11 février 2005 pour « l'égalité des droits et des chances, la participation et la citoyenneté des personnes handicapées » et la convention de l'Onu relative aux droits des personnes handicapées (2006).

La description de mouvements de danse issus de la notation de Rudolf Laban. Les explications relatives aux gestes et aux séquences chorégraphiques sont accompagnées des symboles qui leur correspondent, permettant d'apprendre à lire une partition. Electre 2015

Evocation, à partir du vécu de l'auteure et de témoignages de danseurs d'horizons divers, des principales étapes de la carrière d'un danseur mais aussi de sa conception de la danse et de la scène.

Si la mémoire des œuvres en danse peut s'entretenir à travers des traditions, qu'advient-il lorsqu'il y a rupture dans la transmission ? Quand les danseurs pensent une mémoire discontinue des gestes, à l'instar de Mary Wigman, Valeska Gert, Joséphine Baker ou encore Rudolf Laban ? Qu'advient-il lorsque des artistes contemporains, presque un siècle plus tard, découvrent des danses passées et se laissent ravir au point d'en faire quelque chose ? Reprendre, c'est alors créer un court-circuit dans le temps qui « allume la mèche de l'explosif enfouie dans l'Autrefois », selon le mot de Walter Benjamin. Mettant au cœur de sa réflexion l'analyse des œuvres chorégraphiques, de leur processus et de leurs enjeux, Isabelle Launay observe ici la façon dont des artistes contemporains (Vera Mantero, le Quatuor Knust, Jérôme Bel, Latifa Laâbissi, Mark Tompkins, Loïc Touzé) réactivent des danses du passé et comment, dégagée du continuum d'une tradition, la mémoire des œuvres travaille alors par surprises, transferts, montages et par l'inquiétante force de la citation.

Le danseur livre, dans ces transcriptions de conférences tenues à Paris entre 1968 et 1980, ce qui a marqué son expérience de soixante-dix ans de pratique et d'enseignement de la danse, sa vision de l'art chorégraphique et sa pensée du corps. ©Electre 2020

S'inscrivant dans le prolongement des théories sur le mouvement développées par Michel Bernard et Hubert Godard, une analyse du mouvement, ou geste, dansé qui interroge notamment le rapport au corps, à l'espace, aux émotions et à l'imaginaire. La circulation des savoirs de la pratique est également examinée. L'auteure fonde son propos sur des exemples divers. ©Electre 2020

Longue peut être la durée de vie d'un geste dansé, s'il trouve des milieux pour l'accueillir et l'entretenir. C'est ainsi que des ballets « classiques » ou des chorégraphies « contemporaines » circulent, se transmettent et se transforment avec le temps. Croisant esthétique, histoire et anthropologie, cet essai critique, consacré à la mémoire des œuvres en danse, expose les conditions artistiques et politiques de leur survie et de leur devenir, à travers trois cas de répertoires emblématiques : celui du Ballet de l'Opéra de Paris, de Merce Cunningham (1919-2009) et de Dominique Bagouet (1951-1992). Mettant au cœur de sa réflexion le travail des danseurs et des chorégraphes, leur savoir-faire, leurs modes de transmission et les imaginaires qui nourrissent leurs pratiques, Isabelle Launay analyse et historicise diverses façons d'activer (voire d'inventer) une tradition en danse, ainsi que les débats contradictoires attachés à ces différentes pratiques.

Face à l'étendue des perspectives de l'anthropologie de la danse, comment rendre compte de son émergence comme champ scientifique ? Comment réconcilier la diversité des regards qui ont été portés sur la « danse », cet « objet » dont la singularité n'est pas encore universellement reconnue ? Dans cet ouvrage, Andrée Grau et Georgiana Wierre-Gore ont rassemblé quatorze textes qui ont posé les fondements méthodologiques et théoriques de la discipline, écrits par des chercheurs anglophones venus des États-Unis et d'Europe. En donnant accès à des textes inédits en français, il montre, d'une part, que l'approche anthropologique est pertinente pour étudier toutes les danses et, d'autre part, que la danse est un « fait social total » qui mérite d'être étudié au même titre que la religion ou la politique. Nouvelle édition augmentée d'une préface signée par Georgiana Wierre-Gore. Andrée Grau (1954-2017) fut professeur en anthropologie de la danse à l'université de Roehampton (Londres) où elle a conduit les programmes de master dans ce domaine, y compris le master Erasmus Mundus « Choreomundus ». Elle est l'auteur du Monde de la danse (2004 [1998]) publié dans plusieurs langues et de nombreux articles sur la danse aborigène des Tiwi et sur les danses indiennes. Georgiana Wierre-Gore est professeur émérite en anthropologie de la danse à l'Université Clermont Auvergne où elle a fondé et dirigé les masters dans ce domaine dont le master Erasmus Mundus « Choreomundus ». Ses recherches portent sur la transmission, les enjeux politiques et patrimoniaux en danse chez les Edo du Nigeria ainsi que sur les questions de théorie et méthodologie en anthropologie de la danse.

Destinée à tous les danseurs hip hop, amateurs ou professionnels, ainsi qu'aux enseignants, cette publication a pour objectif d'accompagner chacun dans l'exploration de sa pratique. Véritable boîte à outils, conçue en concertation avec des danseurs, des amateurs et des professeurs hip hop engagés sur le terrain, elle propose des pistes pédagogiques et des éléments techniques, mais aussi des interviews avec des personnalités du milieu, des informations pratiques, des ressources documentaires. Du break aux funkstyles, en passant par la relation à la musique, sans oublier le battle, ce cahier de la pédagogie met ainsi en valeur les fondamentaux et l'histoire du hip hop, une danse libre qui associe état d'esprit, technique et créativité.

Dans la langue française, les termes danser et danse font référence à deux pratiques aux fonctions et enjeux très différents. Ils désignent à la fois la danse de scène, destinée à être regardée, et les danses festives ou récréatives, celles que l'on pratique tous. Mais s'il est vrai que la danse de scène s'est toujours inspirée des danses de bal, il est frappant de voir aujourd'hui se multiplier, sur les plateaux des théâtres, des références à des formes populaires – danses clubbing, disco, twerk, new wave, funk… Pour quelles raisons des chorégraphes éprouvent-ils le besoin de se confronter à ces gestes parfois simples et bruts, dépendant souvent de l'industrie du disque ? Ce livre nous invite à découvrir les multiples visages du « danser pop » dans la création chorégraphique au fil des dernières décennies, à travers les œuvres d'artistes aussi divers que Maurice Béjart, Pina Bausch, Alain Platel, Marco Berrettini, Jérôme Bel, Mark Tompkins, Mathilde Monnier, François Chaignaud, Cecilia Bengolea, Maguy Marin, Christian Rizzo, Thomas Lebrun, Gisèle Vienne et le collectif (La)Horde. D'une pièce à l'autre, les danses populaires s'intègrent à la chorégraphie de manière singulière, tout en faisant apparaître des motifs récurrents de la mythologie pop : la contagion, l'improvisation, l'extase et le groupe. Auteure de plusieurs livres sur la danse et sa mise en scène, Claudia Palazzolo est maître de conférence HDR en arts du spectacle (danse) à l'université Lumière-Lyon 2.

Voir un spectacle de danse, c'est percevoir, se laisser emporter, ressentir, imaginer. Être spectateur, c'est être actif et vivre une expérience personnelle. Dans ce livre, conçu par Laurence Pagès, artiste chorégraphique, et Sylviane Pagès, historienne de la danse, l'enfant trouvera diverses pistes pour affiner son regard sur la danse, qu'elle se déroule toute proche de lui, sur ses écrans ou dans le cadre des théâtres. Une riche iconographie, des invitations à l'observation et l'expérimentation sensibilisent les jeunes lecteurs à la danse sous ses multiples formes et esthétiques avec, en complément, une sélection d'extraits vidéo sur numeridanse.tv. Destinée aux jeunes de 9 à 13 ans, cet ouvrage intéressera tous ceux qui les accompagnent dans la découverte de l'art chorégraphique.

Un ensemble d'analyses qui examinent les points de vue multiples et variés de la figure de l'amateur dans la danse contemporaine. ©Electre 2017

Si tu pratiques déjà la danse ou que tu rêves de t'y mettre, si tu sens que danser, ce n'est pas juste une pratique physique ou sportive, si tu souhaites créer avec le mouvement, ce livre est fait pour toi ! Danser, c'est jouer, travailler, sentir intensément, expérimenter, penser, imaginer, être avec les autres... Danser, c'est tout un art ! Au fil de ces pages... tu pourras : expérimenter des propositions de danse ; écouter des danseuses et danseurs te raconter leurs expériences ; observer des danses situées dans des époques et des styles différents ; découvrir la fabrique du geste et faire de ta danse tout un art !